Activités culturelles

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Activités culturelles

Le 28 novembre à 14h15

Visite des ateliers du musée de Sèvres

Visite guidée

La Manufacture de Sèvres a été voulue par Madame de Pompadour et décidée par Louis XV pour être le lieu d'excellence de la production de porcelaine en Europe au XVIIIème siècle ; nous vous proposons aujourd'hui la visite unique de ces ateliers qui avec ses 200 artisans d'art et ses 27 ateliers perpétuent une tradition de plus de 250 ans .

Découvrez derrière le bâtiment actuel du musée à Sèvres une véritable cité de l'art de la céramique, avec ses 27 ateliers industriels leurs rues et leurs grandes verrières, et la magie de la création de la porcelaine d'exception !

Vous assisterez à chaque étape de fabrication : l'atelier de fabrication de la pâte à porcelaine, l'atelier fabriquant le plâtre pour les moules, les ateliers de tournage, calibrage et moulage -réparage, l'atelier d'émaillage, le laboratoire de fabrication des couleurs, l'atelier de peinture et le travail de l'or...

La Manufacture de Sèvres est la seule manufacture de cette époque au monde a avoir gardée ses archives et son patrimoine industriel : ses fours à brique du XIXème siècle, ses 90 000 moules en plâtre, 1000 teintes de ses couleurs et tous ses dessins originaux

Ce sont les artisans d'art eux mêmes au travail dans les ateliers qui vous commentent leur travail

Le 15 Octobre à 15h15

Visite le musée Bourdelle

Visite guidée

Dans le jardin et les ateliers où Antoine Bourdelle a vécu et travaillé, on peut aujourd'hui découvrir plus de cinq cents plâtres, marbres, bronzes... Pénétrez l'univers de celui qui fut le collaborateur de Rodin, le maître de Giacometti, de Germaine Richier et de Vieira da Silva. Le sculpteur fut l'auteur notamment du décor du théâtre des Champs-Elysées. L'extension contemporaine du musée par Christian de Portzamparc donne toute sa dimension à l'œuvre d'Antoine Bourdelle. Jardin de sculptures. Salle de documentation, expositions temporaires.
Le musée a rouvert en mars 2023 la totalité de ses espaces après deux ans de travaux de rénovation. Cette rénovation opérée dans le respect du patrimoine architectural a permis de restaurer l'atelier du sculpteur mais aussi de repenser complètement le parcours des collections, appuyé par une médiation textuelle et numérique innovante, et d’ouvrir un nouveau café-restaurant baptisé Le Rhodia, prénom de la fille de Bourdelle.

Le 26 Septembre à 14h30

Visite la maison du fontainier

Visite guidée

La distribution de l’eau à Paris au XVIIe siècle

La maison du Fontainier est construite entre 1619 et 1623 au faubourg Saint-Jacques, quartier composé alors de terrains vagues, quelques fermes et établissements religieux. Certainement édifiée d’après les plans des mêmes promoteurs que ceux de l’aqueduc Médicis, dont elle constitue de vingt-septième regard, la maison en pierres de taille comporte un rez-de-chaussée, un étage et des combles sous un toit en tuiles plates à lucarnes et à deux versants, avec deux cheminées.

Les étages supérieurs sont occupés par le fontainier du roi, Thomas Francine. L’eau de l’aqueduc arrive dans les sous-sols. Elle se répartit dans trois bassins : au centre, le bassin des Carmélites, dont l’eau est destinée aux besoins du clergé (environ 31 % des eaux) ; au nord-ouest, du côté de l’avenue de l’Observatoire, le bassin du Roi, alimentant le palais du Luxembourg et ses fontaines (environ 41 % des eaux) ; au sud-est, le bassin de la Ville, alimentant des fontaines publiques (environ 28 % des eaux).

Lors de la percée de la nouvelle avenue de l’Observatoire au XIX^e siècle, il est prévu de remplacer la maison Louis XIII par une autre de style néoclassique mais ce projet ne voit pas le jour. La maison perd sa fonction en 1870.

La maison et ses sous-sols sont classés monument historique depuis mars 1994.

C’est l’histoire de cette maison et son rôle dans la distribution de l’eau à Paris à cette époque qui vous sera racontée.

Le 18 juin à 14h30

Visite du parc de Bagatelle

Visite guidée

Dédié au charme bucolique de la découverte botanique, le parc n'est pas adapté aux activités rapides comme la course à pied ou le vélo. Cependant, une quinzaine de kilomètres de piste cyclable (sans compter tous les chemins et voies fermées à la circulation automobile) vous accueille dans le bois de Boulogne pour pratiquer ces activités librement. Vous serez charmés par le doux murmure de l'eau, qui accompagne vos pas, dans la partie paysagère du parc. Le décor est si parfaitement romantique, qu'il en devient presque irréel. Petits ponts, rochers, grottes, miroirs d'eau et cascades artificielles sillonnent sous le couvert boisé d'arbres gigantesques. Un peu plus loin, vers le Nord, un araucaria du Chili mérite tout votre respect...ce conifère peuplait déjà nos continents il y a 150 millions d'années ! Un hêtre pleureur de seulement 140 ans balance délicatement ses branches vers le bassin des Nymphéas, émaillé de lotus et de nénuphars. Vous découvrirez une pagode de style chinois datant du XIXe siècle. Lors de la vente des objets et des œuvres d'art du jardin en 1906, elle fut achetée par un anglais, lord Astor, qui l'installa dans sa propriété de Cliveden, près de Windsor. C'est là-bas qu'il fallut en refaire les plans pour la reconstruire à l'identique il y a quelques années. Le parc de Bagatelle est ponctué de petits jardins regroupant les fleurs par espèces : le jardin des iris, le jardin des plantes vivaces, le jardin des Présentateurs, où ont lieu des expositions horticoles. Il abrite également un potager et une jolie collection de clématites. L’ensemble du parc est l’un des quatre sites du Jardin botanique de Paris. Ne soyez pas étonné d'y croiser ça et là des paons se pavanant sans être le moins du monde gênés par votre présence. Ils aiment être admirés et choisissent de préférence les espaces dégagés, à la forêt de chênes ou au sous-bois de fougères. Face à l'orangerie, un magnifique parterre fleuri aux couleurs chatoyantes, préparent vos yeux à l'éclat incomparable des rosiers de Bagatelle (1 200 variétés).

_{UN PEU D’HISTOIRE}

Résultat d'un pari entre Marie-Antoinette et le Comte d'Artois, qui avait acquis le domaine en 1775, cette bagatelle surgit miraculeusement de terre en soixante-quatre jours ! Le parc de Bagatelle fut conçu par Belanger et réalisé par Thomas Blaikie, dans un style anglo-chinois typique de cette époque. L'art du jardin vivait alors de profonds changements, en réaction à l'extrême rigorisme des jardins à la française du XVIIe siècle. On inventait des paysages théâtraux inspirés des peintures oniriques de Nicolas Poussin ou du Lorrain. Les commerçants, ou les missionnaires jésuites qui revenaient de Chine, rapportaient des images de pagodes chinoises, que l'on voulait immédiatement retrouver dans son jardin ! Le parc et le château échappèrent de justesse aux destructions de la Révolution. Ils subirent de multiples métamorphoses, passant de mains en mains. L'orangerie date de 1865, la grille d'honneur de 1860 et les écuries de 1864. Les pavillons de gardes furent construits en 1873 par l'architecte Desanges, ainsi que le Trianon et les deux terrasses. Ce joyau fut racheté par la Ville de Paris en 1905, qui confia sa réhabilitation au conservateur des jardins de Paris, Jean-Claude-Nicolas Forestier. Il s'attacha à faire du parc un jardin de collections botaniques, sans détruire l'harmonie des aménagements précédents. Il transforma les zones vivrières en jardins de présentation, pour y exposer des collections de roses, d'iris, de plantes vivaces, de clématites, de pivoines. C'est à lui que nous devons la célèbre roseraie de Bagatelle, qui donne lieu chaque année à un concours international, et cela depuis 1907 !

LE 30 Avril à 14h

Visite du centre Cyrène et d'Azalys

Visite guidée

Cyrène, un centre moderne de tri multi-filières des déchets ménagers recyclables, est opérationnel depuis 2004. L’opérateur privé SEPUR s’est vu attribuer la gestion de sa direction, à la suite de la mise en vigueur d’un nouveau contrat de délégation de service public le 1er juillet 2023, d’une durée de deux ans. Il joue un rôle essentiel dans le recyclage et la valorisation des déchets.
Traitement et installation Cyrène dispose d’une chaîne de tri spécialisée dans les déchets de papiers et d’emballages ménagers recyclables issus des collectes sélectives des bacs jaunes (ou bleus). Une plateforme de transit pour les déchets en verre est également présente.
Une déchèterie ouverte exclusivement aux particuliers.

Le centre de tri reçoit, trie et conditionne les déchets ménagers recyclables collectés dans les collectivités du syndicat intercommunal Valoseine. Grâce à ce processus, ces matériaux triés seront acheminés vers des sociétés spécialisées dans le recyclage pour être transformés en nouveaux produits.

Azalys, fondée en décembre 1998, est un Centre de Valorisation Énergétique exemplaire en France en termes d’émissions atmosphériques, respectant rigoureusement toutes les normes environnementales en vigueur. Depuis ses débuts, Azalys s’est engagée à jouer un rôle clé dans la préservation de l’environnement.

L’Unité de Valorisation Énergétique (UVE) d’Azalys est exploitée par HELYSEO, une filiale du groupe SUEZ, dans le cadre d’un contrat de délégation de service public entré en vigueur le 15 décembre 2018 pour une durée de 9 ans. Cette usine est conçue pour traiter jusqu’à 140 000 tonnes de déchets non-recyclables, sans altérer sa performance technique, comme approuvée par un arrêté préfectoral complémentaire.

Azalys incinère les déchets non-recyclables, tels que les ordures ménagères résiduelles, pour produire de l’énergie propre. Les fumées résultantes passent par une chaudière qui transforme l’eau en vapeur, cette dernière actionne ensuite une turbine à grande vitesse pour générer de l’électricité. La vapeur est finalement condensée et retourne à la chaudière pour un cycle continu. Grâce à cette approche innovante, l’électricité produite par la turbine rend Azalys autonome en énergie.

Rendez-vous au parking du tram 13 à 13 h 15 départ en covoiturage

Le 7 mars à 14 h

Musée de la Toile de Jouy

Visite guidée par un guide du musée

Accompagné d’une guide-conférencière du Patrimoine venez vous immerger au cœur de l’histoire des motifs textile !
1h30 pour comprendre les liens qui unissent les artistes à la création textile.

Au cœur de la Vallée de Bièvre, découvrez le ravissant musée de la Toile de Jouy situé à Jouy en Josas. Dans un cadre champêtre au château de l’Eglantine, le musée vous dévoile l’histoire passionnante de la toile de Jouy et de sa célèbre manufacture fondée par Oberkampf. L’occasion d’admirer les superbes collections textiles du musée composées de personnages en camaïeu, de motifs floraux ou encore de scènes mythologiques et historiques.

Rendez-vous au RER à 12 h 15

Le 29 Février à 14 h

Musée Carnavalet : Histoire de Paris

Oeuvres incontournables entre autres:

Statère des Parisii Le peuple gaulois des Parisii s’installe vers le milieu du 3^e siècle av. J.-C. sur un territoire correspondant à une partie de l’actuelle Île-de-France. Plusieurs pièces en or, frappées par ce peuple, ont été retrouvées dans la Seine, à Paris. Mentionnée par Jules César, leur capitale, Lutèce, est en effet construite sur une île de la Seine ; une position stratégique qui leur permet de contrôler le commerce fluvial et de frapper des monnaies en or d’une très grande qualité. Inspiré des statères de Philippe II de Macédoine, ce numéraire très stylisé témoigne de l’originalité des graveurs gaulois. Est ainsi figurée, à l’avers, une tête d’homme de profil aux mèches de cheveux terminées en boucle ; alors qu’au revers, un cheval cabré, chargeant à gauche, est, lui, surmonté d’un voile bouleté. Les qualités plastiques de ce monnayage font de celui-ci l’un des plus originaux de la numismatique celtique.

Lettres de la marquise de Sévigné à sa fille Présenté dans le salon de Madame de Sévigné au sein de l’hôtel Carnavalet en 1912, ce billet autographe est exceptionnel par sa rareté, la plupart des lettres de la marquise à sa fille ayant été détruites. En effet, de la correspondance de la marquise de Sévigné – près de 1372 lettres aujourd’hui recensées – subsistent pour l’essentiel des copies ou des éditions longtemps tronquées.
Il s’agit de la deuxième lettre conservée adressée à Françoise-Marguerite, deux jours avant son installation en Provence. Affectée par la séparation à venir, madame de Sévigné y évoque très vraisemblablement le don d’une bague.

Visite guidée par un guide du musée

Rendez-vous au RER à 12 h 15

Le 9 Janvier à 14 h 30

Musée d'Art Moderne : Nicolas de Staël

L'exposition réunit une impressionnante sélection de près de 200 pièces, comprenant des tableaux, des dessins, des gravures, et des carnets, issus de collections publiques et privées en Europe et aux États-Unis. Parmi ces trésors artistiques, l'exposition dévoile environ cinquante œuvres jamais exposées auparavant dans un musée français, offrant ainsi une expérience inédite aux visiteurs.

Organisée chronologiquement, cette rétrospective dévoile l'évolution constante de l'artiste depuis ses premiers pas dans le monde de l'art, marqués par des tableaux sombres et texturés dans les années 1940, jusqu'à ses créations les plus récentes avant sa tragique disparition en 1955. Malgré une carrière principalement concentrée sur une douzaine d'années, Nicolas de Staël a continué à innover et à explorer de nouvelles voies artistiques. Il est resté insensible aux tendances artistiques de son époque, préférant délibérément brouiller les frontières entre abstraction et figuration. Son travail se présente comme une quête artistique intense et sans compromis, marquée par une urgence créative sans pareille. "C'est si triste sans tableaux la vie que je fonce tant que je peux," écrivait-il. Cette rétrospective permet aux visiteurs de suivre ce parcours artistique exceptionnel, depuis ses voyages de jeunesse jusqu'à ses derniers mois à Antibes, face à la mer.

La vie tumultueuse de Nicolas de Staël a inévitablement influencé la perception de son œuvre. De son exil après la Révolution russe jusqu'à son tragique suicide à l'âge de 41 ans, sa biographie a nourri le mythe entourant son art. Toutefois, cette rétrospective se concentre avant tout sur les recherches graphiques et picturales de l'artiste, mettant en lumière un peintre au travail, que ce soit face à la nature, aux paysages, ou dans l'intimité de son atelier.

Nicolas de Staël était un artiste en perpétuel mouvement, un voyageur infatigable, profondément captivé par les spectacles du monde et les différentes lumières qui les habitaient. Qu'il peigne la mer, un match de football, ou un simple fruit posé sur une table, il explorait inlassablement de nouvelles techniques, utilisant divers outils et formats, allant des petites toiles aux compositions monumentales. Sa méthode de travail, caractérisée par la superposition et l'altération successives de ses œuvres, révèle l'importance du dessin dans son processus créatif, comme en témoigne la riche sélection d'œuvres sur papier exposée dans cette rétrospective.

Un élément notable de cette exposition est la présence en permanence d'un extrait du documentaire "Nicolas de Staël, la peinture à vif" réalisé par François Lévy-Kuentz, en coproduction avec ARTE France. Cette production est diffusée dans son intégralité sur ARTE le 24 septembre 2023, offrant ainsi aux amateurs d'art une occasion de plonger encore plus profondément dans l'univers de l'artiste.

Visite guidée par un guide du musée

Rendez-vous au RER à 13 h

Le 9 Novembre à 14 h

Musée de Cluny : exposition La Dame à la Licorne

Le Toucher, le Goût, l’Odorat, l’Ouïe et la Vue… et une sixième pièce, avec une tente bleue et l’inscription mon seul désir : immédiatement reconnaissables, les tapisseries qui forment la tenture de la Dame à la licorne sont parmi les œuvres les plus célèbres des collections du musée de Cluny.

Le fond rouge et un même schéma de composition unissent les six tapisseries. Sur un grand ovale bleu, la Dame, élégante, parée de bijoux et souvent assistée d’une demoiselle, se tient solennellement, entre un lion et une licorne porteurs de bannières, de capes ou d’écus à trois croissants. Ce groupe est encadré par des arbres de quatre essences : des chênes, des orangers, des pins et des houx. Le sol des six "îles" est planté de fleurs, et les fonds rouges sont parsemés de plantes à fleurs et d’animaux : lapins blancs, renardeaux, un lionceau, des agneaux, des oiseaux… mais aussi des singes ou une panthère…

Les armoiries, de gueules (rouge) à la bande d’azur (bleu) chargée de trois croissants d’argent (blanc) ont permis d’identifier la famille qui a fait tisser ces pièces : les Le Viste, originaires de Lyon, mais possédant des terres en Bourgogne et des résidences parisiennes. L’identité du commanditaire reste l’objet de débats : ce serait soit Jean IV Le Viste, mort en 1500, soit son neveu Antoine, mort en 1532, deux personnages de l’époque des rois de France Charles VIII et Louis XII, pourvus de charges dans la haute administration du temps.

Les modèles des femmes et des animaux à grande échelle ont été dessinés par le peintre Jean d’Ypres. Actif à Paris de 1489 à 1508, il est connu comme enlumineur au service de la reine Anne de Bretagne et comme auteur de modèles pour des vitraux ou pour des gravures illustrant des livres imprimés. Les plantes et les animaux ont pu être tissés à partir de modèles détenus dans les ateliers des liciers. Le tissage est très soigné, voire virtuose, mais le lieu de production des tapisseries n’est pas connu. Elles peuvent provenir des métiers à tisser implantés aux Pays-Bas méridionaux, dans des villes comme Bruxelles ou Tournai, mais elles pourraient tout autant être l’œuvre des liciers parisiens.

Un sentiment de paix et d’harmonie se dégage des six tapisseries. On y voit peu d’objets et d’accessoires, tandis que les vêtements et les bijoux sont décrits avec attention. Les végétaux et les animaux sont partout représentés, tantôt stylisés, tantôt inspirés par l’observation directe.

La tenture a été comprise de diverses manières, en particulier en fonction de l’interprétation que l’on peut faire de la sixième pièce. Comment comprendre l’inscription, comportant deux initiales, A et I encadrant l’expression mon seul désir ? Peut-être les prénoms d’Antoine Le Viste et de son épouse Jacqueline ? La Dame prend-elle ou remet-elle un collier dans le coffret tendu par la demoiselle ? Est-ce une allégorie des sens et d’un sixième sens, proche de l’âme et du cœur ? Peut-on faire une lecture courtoise de ces tapisseries, puisque la Dame est dans un jardin où nombre de plantes et d’animaux font allusion à la quête amoureuse ? Mon seul désir est-il une devise ? Quel sens donner au mot désir, dans un monde encore profondément chrétien, mais au seuil de la Renaissance ?

Visite guidée par un guide du musée

Rendez-vous au RER à 12 h 45

Le 27 Octobre à 15 h 30

Musée de l'Orangerie : exposition Modigliani, un peintre et son marchand

Près d’un siècle après la rencontre entre les deux hommes en 1914, cette exposition se propose de revenir sur l’un des moments emblématiques de la vie d’Amedeo Modigliani, celui où Paul Guillaume devient son marchand. Elle s’attachera à explorer la manière dont les liens entre les deux personnages peuvent éclairer la carrière de l’artiste.

À son arrivée à Paris en 1906, Modigliani, artiste juif d’origine italienne, est peintre. Sa rencontre avec Constantin Brancusi, sculpteur d’origine roumaine, en 1909, agit pour lui comme une révélation : il s’initie à la sculpture et s’y consacre presque exclusivement jusqu’en 1914. Sa rupture avec cette pratique est aussi soudaine que totale : de 1914 à sa mort en 1920, il renoue avec la peinture et produit alors de nombreux tableaux consacrés principalement à la seule figure humaine. C’est cette pratique de la peinture qui est au cœur de la relation entre l’artiste et le marchand. Paul Guillaume l’encourage, lui loue un atelier à Montmartre, fait connaître ses toiles dans les cercles artistiques et littéraires parisiens. Il achète, vend et collectionne ses œuvres.

C’est par l’entremise du poète Max Jacob (1876-1944) que le jeune galeriste et collectionneur Paul Guillaume aurait découvert Modigliani en 1914. Il devient alors vraisemblablement son marchand, comme on le comprend à la lecture de la correspondance entre Paul Guillaume et son mentor, le poète et critique d’art Guillaume Apollinaire (1880-1918) alors au front. C’est dans ce contexte parisien que Modigliani immortalise son galeriste dans une série de portraits peints et dessinés restés célèbres : il en réalise pas moins de quatre entre 1915 et 1916. Le premier d’entre eux, conservé au musée de l’Orangerie, proclame la relation privilégiée qu’entretiennent le marchand et l’artiste. Guillaume, qui n’a alors que vingt-trois ans, est représenté en costume, ganté et cravaté comme un pilote visionnaire de l’avant-garde, surplombant les mots « Novo Pilota ». Cette inscription nous laisse entrevoir que le galeriste suscite alors un grand espoir chez le peintre. Guillaume, à travers ses récits, nous dresse aussi le portrait d’un Modigliani plus intime avec lequel il partage des affinités artistiques et littéraires. Leur intérêt commun pour l’art africain est manifeste. Les deux hommes sont également sensibles à la littérature et à la poésie. Guillaume se souvient ainsi que Modigliani « aimait et jugeait la poésie, non point à la manière froide et incomplète d’un agrégé de faculté, mais avec une âme mystérieusement douée pour les choses sensibles et aventureuses. »

Outre les cinq peintures de Modigliani conservées aujourd’hui au musée de l’Orangerie, plus d’une centaine de toiles ainsi qu’une cinquantaine de dessins et une dizaine de sculptures de l’artiste seraient passés par les mains du marchand. Ce nombre dénote à la fois l’implication du galeriste dans la promotion de l’artiste mais aussi son goût personnel pour ses œuvres, largement présentes sur les murs de ses différents appartements. On y trouve des portraits des figures marquantes du Paris de l’époque, Max Jacob, André Rouveyre, Jean Cocteau, Moïse Kisling, mais également des modèles inconnus, ainsi que de très beaux ensembles de portraits des femmes qui ont partagé la vie du peintre, l’écrivain Béatrice Hastings tout d’abord, puis la jeune peintre Jeanne Hébuterne, sa dernière compagne et la mère de son enfant.

L’exposition évoquera ainsi, à travers le choix d’œuvres emblématiques, les différentes caractéristiques de ce corpus tout en explorant les liens du peintre et de son marchand dans le contexte artistique et littéraire parisien des années 1910 ainsi que le rôle de Paul Guillaume dans la diffusion de l’œuvre de Modigliani sur le marché de l’art à la fois en France et aux États-Unis dans les années 1920.

Visite guidée par audio guide

Rendez-vous au RER à 14 h

Le 19 Septembre 2023 à 15 h

Musée de l'histoire du Judaïsme

Le musée retrace l'histoire de la culture des Juifs depuis le Moyen Âge jusqu'au xx^e siècle. Sa collection d'objets religieux, de manuscrits et d’œuvres d'art promeut les contributions des Juifs à la France et au monde, particulièrement dans le domaine de l'art. Le musée présente une collection d’objets de culte et un fonds historique et ethnographique. Il conserve notamment 2 700 documents sur l'affaire Dreyfus, donnés par la famille de ce dernier.

Une place importante est consacrée à la présence juive dans les arts avec des peintres de l’École de Paris (Chagall, Kikoïne, Soutine…) et des artistes contemporains (Christian Boltanski, Sophie Calle…).

Le MAHJ possède également une médiathèque (bibliothèque, vidéothèque et photothèque) et une librairie ouvertes au public, ainsi qu'un auditorium de 198 places.

L’hôtel de Saint-Aignan

L'hôtel est bâti en 1644-1650 pour Claude de Mesmes, comte d'Avaux, surintendant des finances de Mazarin, à l'extérieur de l'enceinte de Philippe-Auguste le long de cette muraille. C’est Pierre Le Muet, architecte du roi, qui en dresse les plans.

En 1688, l’hôtel est racheté par Paul de Beauvilliers, duc de Saint-Aignan, qui entreprend une campagne de travaux de réfection et de modernisation. Il aménage le premier étage en appartements et fait appel à André Le Nôtre pour redessiner un jardin à la française.

En 1792, l'hôtel de Saint-Aignan est saisi et mis sous séquestre à la suite de la Révolution. Il devient le siège de la septième municipalité en 1795, puis du septième arrondissement jusqu'en 1823, avant d'être partagé en locaux commerciaux de toutes sortes.

Ayant fait l'objet de reventes successives, l'hôtel est voué à partir de 1842 au commerce et à la petite industrie. Des photographies d'époque, en particulier celles d’Eugène Atget, évoquent la vie de cet immeuble où vivent désormais des artisans juifs immigrés de Pologne, de Roumanie et d'Ukraine.

Lors des grandes rafles antijuives de 1942, plusieurs personnes vivant dans le bâtiment sont arrêtées et déportées. Au total, treize des habitants juifs de l'hôtel seront assassinés dans les camps.

L'hôtel de Saint-Aignan est racheté par la Ville de Paris en 1962, et est classé monument historique en 1963.

En 1978 débute une première campagne de restauration, sous la direction de Jean-Pierre Jouve, architecte en chef des monuments historiques. Le bâtiment est alors affecté aux archives de Paris. Une seconde campagne de restauration de l'hôtel s’ouvre en 1991, sous la direction de Bernard Fonquernie, architecte en chef des Monuments historiques.

En 1998, à la suite d’une initiative de Jacques Chirac lorsqu’il était du maire de Paris, l'hôtel de Saint-Aignan est affecté à l'installation d'un musée consacré à la civilisation juive : le musée d'Art et d'Histoire du judaïsme.

Visite guidée du musée par Michèle et après promenade dans le quartier. Prévoir de bonnes chaussures.

Rendez-vous au RER à 13 h 30

le 11 mai 2023 à 14h00

Maison de Zola et Musée Dreyfus

— Mai 1878 Émile Zola, en 1878, a acquis la célébrité.
Il cherche une maison tranquille et est attiré par le charme de Médan.
Le succès de L’Assommoir va lui permettre cet achat :

« J’ai acheté une maison, une cabane à lapins, entre Poissy et Triel, dans un trou charmant au bord de la Seine, 9 000 francs, je vous dis le prix pour que vous n’ayez pas trop de respect. La littérature a payé ce modeste asile champêtre. »

Lettre à Flaubert, 9 août 1878

1878-1879 — Construction de la tour carrée

Il faut un lieu où, dans le silence, il écrira Les Rougon-Macquart, Histoire naturelle d’une famille sous le second Empire, dont il a déjà publié huit des vingt livres que comportera le cycle.

J’ai eu la toquade de faire bâtir… Je surveille mes ouvriers. C’est moi qui suis l’architecte. J’aurai un cabinet de travail très vaste.

Lettre à Edmond de Goncourt, Médan, 14 octobre 1878

1880 — Les Soirées de Médan

Ce titre a été choisi par Maupassant, Huysmans, Hennique, Céard et Alexis, les jeunes écrivains réunis autour de Zola pour ce recueil collectif : il rend hommage au chef de file du Naturalisme, mais aussi, plus discrètement, à l’excellente maîtresse de maison qui les reçoit souvent à Médan, Alexandrine Zola.

1880-1881 — Acquisition de terrains

Par vingt-quatre achats successifs, la propriété passe de 1 600 à 41 909 m². Le jardinet devient parc. De l’autre côté de la voie ferrée, un pré puis Zola entreprend l’achat de deux hectares et demi dans l’île du Platais sur laquelle il fera construire un chalet : « Le Paradou ».

1880-1883 — Construction des bâtiments annexes

Commencé en 1880, le chalet édifié dans l’île permet des parties champêtres. Les invités s’y rendent sur la barque « Nana ».

En janvier 1882, Zola s’occupe de l’installation d’un puits dans la cour de la cuisine. Il fait construire un pavillon pour y recevoir son éditeur Charpentier, puis une maison pour son jardinier, une ferme pour ses bêtes et une serre pour ses fleurs.

1885-1886 — Construction de la tour hexagonale

Maison et œuvres grandissent au même rythme. L’argent de Germinal (1885) sert à un nouvel agrandissement. Zola reprend son rôle de chef de chantier.
Puis il s’occupe de la décoration intérieure : mosaïque de salle de billard, vitraux réalisés par Baboneau, chapiteaux historiés, lanternes…

1888-1902 — J'aime tout plus passionément

C’est aussi à Médan que Zola s’éprend de Jeanne Rozerot et commence une nouvelle vie, illuminée par l’amour de la jeune lingère. Cette même année 1888, il s’initie à la photographie. Il impressionnera une multitude de plaques, au moyen de ses appareils de formats différents.

En 1888, la propriété de Zola est achevée. Elle symbolise sa réussite dans le monde des lettres, la fortune acquise par un labeur acharné. Sa maison reste le lieu de son travail car il se veut fidèle à sa devise : pas un jour sans une ligne. Cependant, il aime à y recevoir ses amis et ses proches.

AFFAIRE DREYFUS

1894 — Fin septembre Arrivée du bordereau au ministère de la Guerre.

— 15 octobre Arrestation de dreyfus

— 22 décembre Dreyfus est condamné pour haute trahison

— 19-22 décembre Procès du capitaine Dreyfus. Condamnation à la déportation perpétuelle et à la dégradation.

1895 — 5 janvier Dreyfus est dégradé devant le front des troupes.

— 21 février Dreyfus est embarqué pour l'île du Diable.

1896 — Août-septembre Picquart tente de convaincre ses chefs de la nécessité de réviser le procès de Dreyfus.

— 4 septembre Dreyfus est mis aux fers.

— Début novembre Bernard Lazare publie la première brochure en défense de Dreyfus.

1897 — 14 juillet Scheurer-Kesner s'engage.

— 15 novembre Mathieu Dreyfus dénonce Estherazy.

1898 — 13 janvier Zola publie «J'accuse !..."». Picquart est arrêté

— 7 juillet Le ministre Cavaignac donne les "preuves" de la culpabilité de Dreyfus.

— 18 juillet Zola part pour l'Angleterre.

— 30-31 août Le lieutenant-colonel Henry avoue avoir fait un faux contre Dreyfus. On le retrouve la gorge tranchée dans sa cellule.

1899 — 3 juin Le procès Dreyfus est annulé.

— 9 septembre A Rennes, Dreyfus est de nouveau condamné.

— 19 septembre Dreyfus est gracié.

1902 — 29 septembre Zola est retrouvé mort asphyxié.

1903 — 6-7 avril Jaurès relance l'Affaire. Le ministre André promet une enquête.

1906 — 11-13 juillet Dreyfus est réhabilité civilement

1908 — 4 juin Les cendres de Zola sont transférées au Panthéon

le 14 avril 2023 à 14h30

Le potager du Roi

Louis XIV, le Roi-Soleil, souhaite un palais à sa mesure : roi de droit divin, au pouvoir absolu, il veut éblouir les nations, et contraindre une noblesse volontiers frondeuse à l'obéissance. En 1661, après l'insolente magnificence de la fête offerte par son surintendant des Finances, Fouquet, à Vaux-le-Vicomte, le roi affirme sa puissance ; il fait emprisonner Fouquet et s'attache les artistes qui avaient réalisé Vaux. Tous vont œuvrer à sa propre glorification, pour réaliser un palais à partir du petit pavillon de chasse de son père Louis XIII, et métamorphoser forêts et marécages qui l'entourent en un jardin d'une ampleur inégalée.

Sous la direction attentive de Louis XIV, les meilleurs artistes de l'époque vont faire de Versailles la première cour d'Europe, en particulier Le Vau pour l'architecture, Le Nôtre pour les jardins, Le Brun pour la sculpture. Connu pour ses compétences dans le domaine des jardins fruitiers et potagers, La Quintinie est chargé de fournir en fruits et légumes la table du roi.

Les prodiges accomplis par La Quintinie lui attirèrent la reconnaissance de son maître. Louis XIV aimait, dit-on, venir se promener au Potager. Descendant du château par les "Cent marches" bordant le parterre de l'Orangerie, dont La Quintinie était aussi responsable, il arrivait par la Grille du roi que l'on peut toujours admirer aujourd'hui. Il remontait ensuite une allée ponctuée de seize poiriers ‘Robine', avant de découvrir, depuis la terrasse aujourd'hui abaissée en son milieu, le Grand Carré où s'affairaient une trentaine de garçons jardiniers. Féru de jardinage, Louis XIV apprit même à tailler les arbres fruitiers avec son jardinier.

Louis XIV fit aussi les honneurs de son potager à d'illustres invités, dont les ambassadeurs du Siam, ou le doge de Venise.

En employant des fumiers frais en provenance des écuries, en jouant des diverses expositions, en utilisant abris de verre et cloches, La Quintinie met au point des techniques élaborées pour obtenir des récoltes à contre-saison. Les fumiers sont choisis en fonction de la nature de la terre : les fumiers de bœuf, de vache ou de cheval ont des effets différents, mais tous sont "comme une espèce de monnaie qui répare les trésors de la terre". Les résultats extraordinaires obtenus font la renommée du Potager de Versailles :
"La chaleur, tant dans la terre que dans l'air ne peut régulièrement venir que des rayons du soleil. J'ose dire pourtant que j'ai été assez heureux pour l'imiter en petit à l'égard de quelques petits fruits : j'en ai fait mûrir cinq et six semaines devant le temps, par exemple des fraises à la fin mars, des précoces, et des pois en avril, des figues en juin, des asperges et des laitues pommées en décembre, janvier, etc."
dit Jean Baptiste La Quintinie dans son Instruction pour les jardins fruitiers et potagers, en 1690. Il parvint aussi à avoir des cerises en mai, des concombres début avril, etc.
Cette technique rend La Quintinie célèbre, et, toute sa vie, il poursuivra ses expériences, car "un bon jardinier doit avoir de la passion pour les nouveautés".

le 9 Mars 2023 à 15h

Musée des années 30

visite guidée par Michèle

Consacré à la fois à la période riche et foisonnante de l’art classique et aux divers courants du réalisme de l’entre-deux-guerres, le musée des Années Trente est l’un des musées les plus importants au monde dans son domaine. Cette période a été particulièrement faste à Boulogne-Billancourt grâce aux nombreux artistes, architectes et industriels qui ont fait de cette ville un véritable symbole des temps modernes.

L’ambiance d’une époque

des peintures de Bernard Boutet de Monvel, Alfred Courmes, Maurice Denis, George Desvallières, Amédée de La Patelière, Robert Poughéon, Jean Souverbie, Henry de Waroquier…
des sculptures d’Henry Arnold, Joseph Bernard, Charles Despiau, Alfred Janniot, Paul Landowski, Robert Wlérick, des frères Jan et Joël Martel
des meubles des grands ensembliers décorateurs Ruhlmann, Leleu, Follot, Sue et Mare, Printz, Herbst, Sognot, Mallet-Stevens, Siclis…
des documents et maquettes d’architecture

Des thématiques spécifiques comme les artistes voyageurs, le renouveau de l’Art sacré, l’art du paysage ou l’art du portrait offrent un regard transversal sur la production artistique de l’entre-deux guerres.

Pour finir, n'hésitez pas à emprunter le Parcours des Années 30 et flâner du centre au nord de Boulogne, entre édifices publics, immeubles d'habitation ou ateliers d'artiste bâtis par Le Corbusier, Courrèges, Mallet-Stevens ou Terry.

le 9 Février 2023 à 10h

Découverte des Invalides

visite guidée

Cette visite guidée offre un aperçu général des prestigieuses collections du musée de l'Armée, un des principaux musées d’histoire et d’art militaire au monde.

Votre visite guidée débutera par un historique de l'Hôtel national des Invalides, qui abrite le musée depuis 1905. Votre guide vous entraînera ensuite vers les trésors de la collection d’armures et d'armes anciennes (3ème collection mondiale) : armures des joutes ou des tournois utilisées du Moyen-âge à la Renaissance ou encore les majestueuses armures de rois de France présentées dans les anciens réfectoires des Invalides dont les peintures datant du XVIIe siècle ont été récemment restaurées.

La seconde partie de votre visite guidée se déroulera dans les salles Empire pour une découverte de l’épopée napoléonienne à partir de portraits célèbres comme celui de Napoléon Ier par Ingres, d’objets personnels de l’Empereur (bicorne, redingote, tente de campement…) ou encore de ses maréchaux...

Votre guide vous mènera enfin vers l’Eglise du Dôme qui abrite depuis 1861 le monumental tombeau de Napoléon Ier. Vous y découvrirez également les tombeaux de célèbres militaires : Turenne, Foch, Vauban...
Une visite guidée au cœur de l'histoire militaire de France.

Pour votre confort de visite, votre billet inclut l'accès aux collections et aux expositions temporaires afin de poursuivre votre exploration du Musée de l’armée en toute liberté à l’issue de votre visite guidée.

le 13 Janvier 2023 à 15h

Musée d'Orsay exposition Munch

visite par audio-guide

Un poème de vie, d’amour et de mort

L'œuvre de Munch occupe dans la modernité artistique une place charnière. Elle plonge ses racines dans le XIX^e siècle pour s’inscrire pleinement dans le suivant. Plus encore, son œuvre tout entière est innervée par une vision du monde singulière lui conférant une puissante dimension symboliste qui ne se réduit pas aux quelques chefs-d'œuvre qu’il a créés dans les années 1890. Dépassant le symbolisme fin-de-siècle, Munch transcende ce mouvement au-delà de son apogée pour en faire l’épine dorsale de son œuvre, lui conférant ainsi sa grande cohérence.

Le processus créatif singulier de Munch le conduit à réaliser de nombreuses déclinaisons d’un même motif, mais aussi plusieurs versions d’un même sujet. Éminemment symboliste, la notion de cycle a ainsi joué un rôle clé dans la pensée et l’art de Munch. Elle intervient à plusieurs niveaux dans son œuvre jusqu’à entrer en jeu dans la construction même de ses toiles, où certains motifs reviennent de façon régulière. Pour Munch, l'humanité et la nature sont unies dans le cycle de la vie, de la mort et de la renaissance. Dans ce cadre, il élabore une iconographie inédite, en grande partie inspirée par les philosophies vitalistes de Friedrich Nietzsche et d'Henri Bergson. Munch l’a lui-même souligné en parlant de sa Frise de la Vie : « ces toiles, il est vrai relativement difficiles à comprendre, seront […] plus faciles à appréhender si elles sont intégrées à un tout. »

L’exposition présentera une centaine d’œuvres, peintures, mais aussi dessins, estampes ou encore blocs gravés, rendant compte de la diversité de sa pratique. Cette présentation d’ampleur, à la dimension rétrospective, embrassera l’ensemble de la carrière de l’artiste. Elle invitera le visiteur à revoir dans sa globalité l’œuvre du peintre norvégien en suivant le fil d’une pensée picturale toujours inventive : une œuvre à la fois foncièrement cohérente, voire obsessionnelle, et en même temps constamment renouvelée.

le 25 novembre 2022 à 12h

Opéra Bastille

L'Opéra Bastille est l'œuvre de Carlos Ott, architecte canadien-uruguayen, qui fut désigné en novembre 1983 après un concours international auquel près de 1700 architectes participèrent. L'inauguration eut lieu le 13 juillet 1989.

Son architecture est marquée par la transparence des façades et par l'emploi de matériaux identiques à l'intérieur comme à l'extérieur. Avec ses 2 745 places à l'acoustique homogène, ses équipements de scène uniques, ses ateliers intégrés de décors, costumes et accessoires, ses salles de travail et de répétitions, l'Opéra Bastille constitue un grand théâtre moderne.

La grande salle

Superficie : 1 200 m² soit 5% du volume du bâtiment
Dimensions : 20 m de haut, 32 m de profondeur, 40 m de large
Nombre de places : 2 745

Matériaux : granit bleu provenant de Lannelin en Bretagne, bois de poirier provenant de Chine, verre au plafond.

Les équipements scéniques : une machinerie spectaculaire

La fosse d'orchestre, mobile et modulable, peut être couverte ; dans sa plus grande configuration, elle peut contenir 130 musiciens. La scène principale, 45 m de haut, 30 m de large, 25 m de profondeur, constituée de 9 élévateurs permettant de créer plusieurs niveaux, posée sur 3 élévateurs principaux assurant l'arrivée des décors depuis le sous-sol.

Les espaces de dégagement, 4 lieux de stockage aux mêmes dimensions que la scène l'arrière-scène, avec sa plaque tournante permettant l'orientation des décors, l’aire de circulation, des décors entre la scène, les ateliers, la scène de répétition Gounod, avec sa fosse d'orchestre et ses dimensions identiques à la scène principale constituent les principales innovations de l’Opéra Bastille

La ville Opéra

Pour que, une fois le rideau levé, le spectacle ait lieu, des centaines de personnes, unissent leurs efforts et conjuguent leur savoir-faire tout au long de l’année. À Bastille, c’est une véritable ville qui s’anime, techniciens du génie scénique, sculpteurs et peintres, couturières et coiffeurs.

L'Opéra possède un artisanat et des techniques de pointe pour les accessoires, costumes, perruques, décors. Ce mélange d’innovations techniques et de savoir-faire ancestral se retrouve dans les ateliers de Bastille.

le 11 octobre 2022 à 11h

CEZANNE

À travers un parcours thématique, intime et introspectif, l’exposition immersive révèle la tourmente intime de Cézanne, la force de ses constructions, son rapport à la lumière et aux couleurs et son lien avec la nature, qui reste son grand modèle, sa référence obsessionnelle. Vous êtes immergé dans la nature, sous les grandes frondaisons des arbres et forêts, des parcs et jardins où se reposent les baigneuses pour finir sur la nature cézannienne par excellence : Bibémus, l’Estaque, et, point culminant, la Sainte-Victoire.

Sa peinture est aussi d’une profonde et entière sincérité, entretenant l’incertain, la passion. Portez votre regard sur le paysage intime de l’artiste : les autoportraits de son tourment intérieur, la tempérance apportée par l’apaisant quotidien aixois, l’atmosphère de l’atelier...

"Cézanne, lumières de Provence" propose un voyage au cœur des œuvres majeures de l’artiste, suivant le fil rouge de la nature vers la Provence et la Sainte-Victoire.

KANDINSKY

Après l'exposition consacrée à Cézanne, profitez d'une création d’une dizaine de minutes, réalisée à partir des œuvres de l’artiste Vassily Kandinsky (1866-1944).

L’exposition immersive se déroule en deux temps, scindée par l’avènement majeur de l’invention de l’abstraction. La première partie évoque les débuts figuratifs de l’artiste, teintés d’impressionnisme, de fauvisme onirique et d’une touche de pointillisme. Vous êtes plongé dans les souvenirs de Kandinsky, le folklore russe, son capital mythique.

La seconde partie est plus expérimentale, dévoilant la force de mouvement et de rythme des formes et de la couleur. Plongé dans une explosion chromatique, découvrez les œuvres les plus significatives de cet élan de modernité - Composition VIII (1923), Jaune, rouge, bleu (1925) - jusqu’à ses dernières créations biomorphiques. S’approchant de la musique, la peinture s’affranchit progressivement de la contrainte de la représentation et ne prend plus pour référence le monde réel mais l’intérieur de l’être.

Véritable voyage dans le cosmos intérieur de Kandinsky, l’exposition immersive vous invite à perdre vos repères pour arriver à une osmose finale abstraite et libérée.

le 27 septembre 2022

Le musée

À la fin du XIX^e siècle, Albert Kahn, alors en pleine ascension professionnelle, s’établit dans un quartier résidentiel et verdoyant de Boulogne-sur-Seine, où la famille Rothschild s’est déjà installée.

En 1895, il achète le bel hôtel particulier en brique et pierre qu’il louait depuis deux ans et dont il avait fait orner les abords dès son arrivée. De 1895 à 1920, il acquiert patiemment les parcelles avoisinantes et constitue ainsi une propriété de 4,2 hectares pour y réaliser un jardin reflétant son idéal, celui d’un monde en harmonie.

Après la faillite d’Albert Kahn, ruiné par la crise boursière de 1929, les jardins et les collections d’images, ainsi qu’une partie du matériel du laboratoire sont rachetés à partir de 1936 par le département de la Seine, qui laisse au mécène ruiné la jouissance de sa maison jusqu’à sa mort le 13 novembre 1940. Les jardins sont ouverts pour la première fois au public en 1937, à l’occasion de l’Exposition internationale. Le site voit en 1938 la mise en place de la phototèque-cinématèque de Boulogne, qui sert de vivier d'images à certains grands noms du cinéma, tel Abel Gance pour son film "J'accuse".

En 1968, le département des Hauts-de-Seine, nouvellement créé, devient propriétaire des jardins et des collections. C'est vers 1975 que voit le jour un programme d'étude et de valorisation des collections. Sous la direction de Jeanne Beausoleil, l'ensemble devient musée départemental en 1986 puis accède au statut "musée de France".

Le jardin

Albert Kahn acquiert, de 1895 à 1920, neuf parcelles auprès de douze propriétaires différents en vue de l’aménagement d’un jardin composé de scènes paysagères agrémentées de « fabriques » et de forêts : jardin français, verger-roseraie, jardin anglais, village japonais, forêt bleue et marais, prairie et forêt dorée, forêt vosgienne et jardin dit « alpino-japonais ». Ce jardin à scènes, émouvant monde en miniature, a été inscrit à l’inventaire des monuments historiques en 2015. Tels des témoignages de l’aménagement paysager de l’époque, 2 500 autochromes issues du fonds du musée le représentent. Ce petit « répertoire » paysager – qui sera poursuivi au Cap Martin sur la riviera méditerranéenne – est particulièrement adapté au mode d’acquisition fragmentaire des terrains.

Installé à Boulogne-sur-Seine à partir de 1892, Albert Kahn acquiert pendant 30 ans des parcelles près de sa villa. Il constitue ainsi une propriété de 4,2 hectares, où se côtoient plusieurs types de jardins selon le principe du parc à scènes théorisé par le paysagiste Édouard André.

L’aménagement du site est amorcé par Achille Duchêne, paysagiste de la haute société qui avait élaboré un genre nouveau, le jardin mixte (alliance de la régularité classique et du jardin à l’anglaise). Aux côtés de son chef jardinier, Kahn s’implique fortement dans la conception et l’entretien de son parc. Deux scènes ont une résonance personnelle : la forêt vosgienne, hommage à la nature parcourue dans sa jeunesse ; le jardin japonais, souvenir d’un pays de cœur.

Le jardin s’inscrit dans une mode des aménagements paysagers qui se retrouve dans plusieurs des propriétés voisines. Edmond de Rothschild crée ainsi un jardin japonais dans le parc de son château de Boulogne. Le président de la Société régionale d’horticulture – à laquelle appartient Kahn – réalise, lui, un verger-roseraie, un marais, un jardin d’hiver et une forêt de conifères. Tout près du banquier, entre la route de la Reine et la rue de Sèvres, s’étend le jardin Hersent, avec des parcelles anglaise et japonaise ainsi qu’un sous-bois de digitales.

le 20 septembre 2022

Louis XIV fit aussi les honneurs de son potager à d'illustres invités, dont les ambassadeurs du Siam, ou le doge de Venise.

le 24 mai 2022

visite de la seine musicale dans l'île Seguin : les coulisses de la scène musicale

Plongez au cœur de l'une des scènes les plus modernes d’Europe pour y découvrir tous les secrets de sa construction pharaonique et de son exploitation quotidienne.

Imaginée comme un paquebot flottant sur la Seine, l’architecture dessinée par les célèbres Shigeru Ban et Jean de Gastines vous fera vibrer d’émotions. Votre guide vous permettra de vous repérer dans et autour des bâtiments tout en vous présentant l’architecture admirable du lieu et son intégration au sein de l’environnement exceptionnel que représente l’Ile Seguin.

Vous arpenterez les couloirs de la Grande Rue, qui vous mèneront au cœur de la Grande Seine, impressionnante salle de spectacle modulable à l’infini. De part et d’autre, vous aurez la chance de découvrir les cabines de traduction et studios d’enregistrement, la salle de presse et les loges, vous permettant de ressentir l’intimité des plus grands artistes. Vous serez ensuite fasciné par la grandeur et l’architecture boisée de l’Auditorium.

Au milieu de ce décor spectaculaire, la riche programmation culturelle de La Seine Musicale vous sera dévoilée et vous permettra de ressentir l’émotion des milliers de spectateurs prêts à applaudir les shows de Bob Dylan, West Side Story ou encore Holiday on Ice…

Ce merveilleux outil artistique et culturel, commandé par le département des Hauts de Seine et destiné à devenir la figure de proue de la Vallée de la Culture, n’aura alors plus aucun secret pour vous !

le 19 avril 2022

Musée d'Orsay : exposition sur l'architecture Gaudi

Antoni Gaudí (1852-1926), architecte et créateur de génie, a marqué l’Espagne au tournant du XXe siècle et continue de fasciner de nos jours. Pour la première fois depuis cinquante ans en France, une exposition de grande envergure est consacrée à ce maître de l’Art nouveau. Elle montrera l’extraordinaire créativité de cet artiste singulier, porteuse des bouleversements à l’œuvre dans la Catalogne de la fin du XIXe siècle, et qui s’exprime autant dans les détails de son mobilier qu’à l’échelle d’un projet architectural hors du commun : la Sagrada Familia à Barcelone.

L’exposition s’attachera à montrer le processus créatif de l’architecte au milieu d’une profusion artistique locale exceptionnelle lié au « Modernisme » ou mouvement de l’Art nouveau en Espagne, porté par des commanditaires insignes, soucieux de distinguer la Catalogne, terre identitaire de nature méditerranéenne. L’atelier de Gaudi, ses nombreux collaborateurs, ses techniques de travail sophistiquées constitueront la ligne directrice de l’exposition pour faire comprendre au public l’extraordinaire capacité d’invention de l’architecte qui défia toute la création du moment.

À travers les quelques dessins subsistants de l’artiste, des maquettes et de nombreuses œuvres de mobilier, l’exposition reconstituera ce qui caractérise Gaudi : l’espace et la couleur. Elle mènera le visiteur au grès de ses créations de palais, d’hôtels urbains, de parcs, d’églises avec le projet hors du commun de la Sagrada Familia. Des films, des photographies et des documents d’époque viendront témoigner de la vitalité du parcours de l’architecte plasticien mais aussi du bouleversement artistique opéré à jamais sur Barcelone.

le 15 mars 2022

À travers la présentation de peintures, sculptures, photographies, films, œuvres textiles et littéraires, cette exposition propose de mettre en avant le rôle primordial des femmes dans le développement des grands mouvements artistiques de la modernité. Ces pionnières, comme Tamara de Lempicka, Sonia Delaunay, Tarsila do Amaral ou encore Chana Orloff, nées à la fin du XIXe ou au tout début du XXe siècle, accèdent enfin aux grandes écoles d’art jusqu’alors réservées aux hommes. Au cours de ces éphémères années folles, beaucoup d’entre elles séjournent à Paris, pendant quelques semaines ou quelques années. Ces “femmes nouvelles” sont les premières à pouvoir être reconnues comme des artistes, posséder un atelier, une galerie ou une maison d’édition, diriger des ateliers dans des écoles d’art, représenter des corps nus, qu’ils soient masculins ou féminins. Ce sont les premières à avoir la possibilité de s’habiller comme elles l’entendent, de vivre leur sexualité quelle qu’elle soit, de choisir leur époux ou de ne pas se marier. Leur vie et leur corps, dont elles sont les premières à revendiquer l’entière propriété, sont les outils de leur travail, qu’elles réinventent dans tous les matériaux, sur tous les supports. L’interdisciplinarité et la performativité de leur création ont influencé des générations entières d’artistes et continuent d’influencer encore aujourd’hui.

le 10 Février 2022

Le Théâtre de l'Opéra, voulu par Napoléon III, a été construit, de 1861 à 1875, par l'architecte Charles Garnier (1825-1898) Il a été commencé pendant le Second Empire, c'est le monument le plus important et le plus réussi de ceux édifiés à cette époque, devant lui se trouvant la place de l'Opéra .

La guerre de 1870 entre la Prusse et la France et la Commune interrompirent les travaux, mais le feu dans l’ancien opéra de la rue Le Peletier en 1873 hâtèrent la fin des travaux. Il fut inauguré pendant la troisième république par Mac-Mahon le 5 janvier 1875.

De 1881 à ce jour plusieurs restaurations et programmes de modernisation ont rendu ce monument plus fonctionnel. Une étape ultime fut la construction du nouvel opéra ultramoderne de Paris Bastille en 1989.

La façade de l’Opéra Garnier a été entièrement rénovée en 2001. Ce bâtiment qui est un exemple parfait de l’architecture du XIXe siècle cachant ses structures d’acier sous des monceaux de décoration.

L’Opéra de Paris est un exemple baroque de néoclassicisme : façade richement décorée, escaliers monumentaux et hall à l’italienne avec des plafonds peints par Chagall en 1964. Maria Callas et Rudolf Noureev font partie des artistes qui ont écrit l’histoire du ballet et de l’Opéra en général.

le 11 janvier 2022

La collection Signac reflète le regard, et les partis-pris, d'un artiste particulièrement actif sur la scène artistique de son époque. Grâce à la collaboration avec les archives Signac (qui conservent la correspondance de l'artiste ainsi que les carnets où il consignait ses achats), le parcours d'exposition permet d'établir un recensement précis des peintures, dessins et estampes lui ayant appartenu.

Autodidacte, Signac apprend son métier en regardant les œuvres d'impressionnistes tels Claude Monet et Gustave Caillebotte. Issu d'une famille aisée sans être riche, l'artiste peut envisager de réunir des œuvres importantes mais se doit d'être réfléchi dans ses choix. Le rôle qu'il joue dans la fondation, puis l'organisation, du Salon des artistes indépendants (dont il devient président en 1908) le place au carrefour des différentes tendances de l'avant-garde.

le 19 novembre 2021

La bourse de commerce

L'architecte Henri Blondel, chargé des travaux, fit transformer l'ancienne Halle au blé en Bourse du commerce. Il modifia la coupole en fonte et verre et fit maçonner la partie inférieure en brique. L'ensemble fut inauguré le 24 septembre 1889 . La Ville de Paris a transféré la propriété du bâtiment à la Chambre de commerce, pour un franc symbolique, en 1949. La coupole et le décor sont classés monument historique depuis 1986. D'importants travaux de restauration ont été exécutés en 1989.

Henri Blondel a conservé la structure de l'anneau conçu par Le Camus de Mézières et l'armature en fer de la charpente de Bélanger, qui étaient les deux dispositions les plus remarquables du bâtiment antérieur.

L'entrée monumentale s'ouvre par un portique, situé à l'ouest du bâtiment face à la rue du Colonel-Driant, sommé d'un fronton porté par quatre colonnes corinthiennes cannelées, que surmontent trois figures allégoriques, œuvres du sculpteur Aristide Croisy, représentant la Ville de Paris flanquée de l'Abondance et du Commerce.

L'intérieur est décoré d'une fresque de toiles marouflées dans la partie inférieure de la coupole évoquant le commerce entre les cinq parties du monde par Évariste-Vital Luminais (L'Amérique), Désiré François Laugée (La Russie et le Nord), Victor Georges Clairin (L'Asie, L'Afrique) et Hippolyte Lucas (L'Europe), séparées par quatre grisailles représentant les quatre points cardinaux, par Alexis-Joseph Mazerolle. Ce décor est réalisé entre 1886 et 1889. Dans le film Touche pas à la femme blanche , Philippe Noiret a cette réplique en évoquant les décors de la Bourse : « C'est notre chapelle Sixtine à nous ». Les fresques sont rénovées par Alix Laveau à l'occasion du réaménagement du site en 2021.

Le 27 avril 2016, François Pinault et la mairie de Paris annoncent le départ de la chambre de commerce et la présentation d'une partie des collections d'art contemporain de l'homme d'affaires (10 000 œuvres, dont les accrochages tourneront), gérées par la Collection Pinault, dans le bâtiment circulaire. La Bourse, qui était une propriété privée, est rachetée pour 86 millions d'euros par la Ville de Paris, qui en confie alors la gestion à une filiale d'Artémis via un bail de 50 ans.

Les architectes retenus par François Pinault sont Tadao Andō, qui a travaillé au palais Grassi et à Punta della Dogana, les deux sites vénitiens de la Collection Pinault ; Pierre-Antoine Gatier, architecte en chef des monuments historiques. Le site parisien, dont l'ouverture est reportée à mai 2021, comporte 3 000 m² de surface d'exposition, un restaurant au 3^e étage confié au chef cuisinier français Michel Bras et un studio en sous-sol de 286 places destiné à accueillir des performances, des projections ou encore des conférences.

La Collection Pinault, un ensemble unique de plus de 10 000 œuvres de près de 400 artistes, issus de toutes les scènes artistiques et de toutes les générations, des figures reconnues de l’art contemporain aux courants plus émergents.

Elle est constituée de peintures, de sculptures, de vidéos, de photographies, d’œuvres sonores, d’installations et de performances.

le 12 octobre 2021

Poussez la porte du quartier des Célestins et venez découvrir le lieu d'entraînement des cavaliers de la Garde républicaine.

Edifié en 1895, le quartier abrite depuis cette date l'état-major et le régiment de cavalerie de la Garde républicaine. Ses écuries accueillent aujourd'hui les 140 chevaux du 1er escadron et de la fanfare de cavalerie. Vous commencerez votre visite guidée par la salle de traditions dédiée à l’histoire de la Garde républicaine de 1802 à nos jours et aménagée dans une ancienne écurie.

Vous serez subjugué par la magnifique structure type Eiffel du manège où les cavaliers du quartier s'entraînent quotidiennement. Votre guide vous détaillera au sein de la Grande Ecurie et l’Ecurie de l’Etat-major, les caractéristiques des majestueux chevaux. Une visite guidée insolite au cœur de Paris, des coulisses de la cavalerie de la Garde républicaine.

le 21 Septembre 2021

Visite de la cité U : Thème l'architecture sans frontières

Pénétrez dans des lieux d’exception habituellement fermés au public! Entre architecture régionale, moderne, et durable, la quarantaine de maisons du site offre une variété de styles unique à Paris: MAISONS DU JAPON, DU MAROC, DU BRÉSIL, DE LA SUÈDE… Découvrez les chefs-d’œuvre des plus grands architectes du XXe et du XXIe siècle. Cinq bâtiments sont protégés au titre des Monuments Historiques dont la célèbre Fondation Suisse réalisée par LE CORBUSIER.

le 17 juin 2021

Visite du château de Versailles des grands appartements du Roi et promenade jusqu'au petit Trianon

Cette enfilade prestigieuse de sept salons devait servir d’appartement de parade, c’est-à-dire de cadre aux actes officiels du souverain. C’est pourquoi elle reçut une décoration d’une richesse remarquable, selon le modèle italien alors très en vogue auprès du roi : lambris de marbre et plafonds peints. Durant la journée, le Grand Appartement était ouvert à tous et chacun pouvait y voir passer le roi et la famille royale qui le traversaient chaque jour pour se rendre à la Chapelle. Sous Louis XIV, il était le cadre des soirées d’appartement qui avaient lieu plusieurs fois par semaine.

Le salon d’Hercule est la dernière pièce créée à la fin du règne de Louis XIV.

Les soirs d’appartement, le salon de l’Abondance était le lieu des rafraîchissements

Le salon de Vénus, ainsi que le salon de Diane, constituait le principal accès au Grand Appartement

Le salon de Diane servait de vestibule au Grand Appartement

Le salon de Mars marquait le début de l’appartement du roi

Le salon de Mercure était la chambre de parade du Grand Appartement

Le salon d’Apollon fut finalement utilisé comme salle du trône à partir de 1682.

ANNULEE COVID

le 3 Novembre 2020

Visite de l'Opéra Garnier

Avec son allure baroque aussi éclectique qu’ostentatoire, l’opéra Garnier s’impose comme l’un des symboles les plus extravagants de l’architecture du Second Empire en France. Ce billet d’entrée vous permet d’éviter les files d’attente et d’accéder à ce magnifique édifice situé en plein cœur de Paris.

Inauguré en 1875 et nommé d’après son jeune architecte, Charles Garnier, c’est le plus grand opéra d’Europe. Vous ne manquerez pas d’admirer les serpents de la Pythonisse puis vous emprunterez le Grand Escalier monumental du bâtiment. Imaginez le bruissement des crinolines tandis que vous appréciez cet intérieur à couper le souffle. Vous vous promènerez aussi dans de vastes foyers remplis de mosaïques étincelantes, de colonnes de marbre colorées et de fioritures décorées à la feuille d’or. L’opéra est un véritable régal pour les yeux.

Découvrez un chef-d’œuvre architectural au cœur de Paris.
Laissez-vous émerveiller par le plafond peint par Chagall et le chandelier de 7 tonnes de l’auditorium
Empruntez le Grand Escalier et admirez les splendides peintures et sculptures de l’édifice.
Pénétrez dans le Grand Foyer et découvrez pourquoi l'Opéra Garnier est considéré comme le plus bel opéra du monde

ANNULEE COVID

le 3 Novembre 2020

Visite de l'Opéra Garnier

le 6 Octobre 2020

Visite guidée du château de Monte Cristo

Au sommet de sa gloire, en 1844, après le succès des Trois Mousquetaires et du Comte de Monte-Cristo parus successivement dans la presse sous forme de feuilletons, Alexandre Dumas cherche à s’établir loin du tumulte incessant de la ville dans un lieu où il pourra trouver suffisamment de quiétude pour travailler et fournir aux éditeurs ses manuscrits.
Dumas réside alors à Saint Germain en Laye. Séduit par les paysages de bords de Seine, il choisit une colline située sur les coteaux du Port-Marly pour y faire construire sa demeure. Il engage un architecte, et non des moindres, Hippolyte Durand, afin de lui faire réaliser son rêve. Il désire un château renaissance édifié face à un castel gothique entouré d’eau. Le parc doit être aménagé à l’anglaise et agrémenté de grottes, rocailles et cascades… Dumas donne ses directives et son domaine est conçu selon ses souhaits. Le 25 juillet 1847, l’écrivain pend la crémaillère en présence d’une foule d’amis, d’admirateurs et de curieux…

Dumas reçoit à Monte-Cristo. Il y mène grand train, accueille régulièrement ses conquêtes féminines et organise de somptueuses fêtes, des repas gastronomiques qu’il concocte lui-même. Il laisse sa porte ouverte à qui veut. Beaucoup vivent à ses dépens, profitant de la largesse de son hospitalité et de sa générosité légendaire.
Des animaux vivent également en grand nombre dans la propriété de Dumas . Des chiens, des chats mais également des perroquets, un vautour et des singes participent à l’animation du domaine.

le 22 Septembre 2020

Arboretum de chèvreloup

L'Arboretum de Versailles-Chèvreloup, situé dans la commune de Rocquencourt (Yvelines), est un établissement botanique du Muséum national d'histoire naturelle d'une surface de 200 hectares qui comprend un arboretum de plus de 2 500 espèces et variétés d'arbres, des serres botaniques et des serres horticoles. L'Arboretum de Versailles-Chèvreloup était parfois mentionné comme l'Arboretum national de Chèvreloup même si le titre de « national » est en réalité aussi porté, et depuis bien avant, par l'Arboretum national des Barres.

L'Arboretum de Versailles-Chèvreloup est divisé en 3 sections principales :

la zone systématique : les arbres sont regroupés sur 50 ha selon la classification botanique ; on y trouve les plantations les plus anciennes ;
la zone géographique : les arbres sont regroupés sur 120 ha par origine géographique (Amérique, Asie, Europe...) ; chaque espèce est représentée par un groupe de six sujets relativement jeunes (plantés après 1965) ;
la zone horticole : située au centre de l'Arboretum, elle groupe sur 25 ha des variétés horticoles, issues de la sélection artificielle

L'arboretum comprend également une pépinière (non visitable) où sont multipliés les arbres destinés au domaine ou aux échanges avec les autres jardins botaniques et arboretums.

Le domaine de Chèvreloup est mitoyen du parc du château de Versailles. Il fut acquis à partir de 1685 par Louis XIV, qui le fit enclore d'un mur et s'en servit comme terrain de chasse.

La création de l'Arboretum actuel date de 1927, lorsque le domaine fut attribué au Muséum national d'histoire naturelle. Jusqu'à la Seconde Guerre mondiale fut aménagée la zone systématique. Pendant la guerre, cependant, le domaine fut loti en petits jardins vivriers attribués aux habitants de Versailles, et beaucoup de plantations disparurent. C'est seulement en 1960 que la rénovation de l'Arboretum commença avec la création des zones systématique et horticole.

1699 : acquisition par Louis XIV de la ferme de Chèvreloup, dont le domaine est contigu au parc du Petit Trianon.
1924 : début des plantations de l'Arboretum.
1927 : décret affectant le domaine de Chèvreloup au Muséum national d'histoire naturelle.
1940 : attribution de parcelles de jardins vivriers aux habitants de Versailles.
1967 : reprise des plantations après définition d'un nouveau plan de plantations.
1977 : ouverture d'une partie de l'arboretum au public (50 ha).
1999 : la tempête du 26 décembre abat plus de 1100 arbres.
2018 : ouverture de l'ensemble de l'arboretum au public (près de 200 ha).

Mis à part des chênes et des frênes multi centenaires issus de boisements naturels, le plus ancien arbre d'origine exotique de Chèvreloup était un Sophora du Japon, autrefois appelé Sophora de Jussieu car on pensait qu'il datait de la création du jardin botanique de Trianon par Bernard de Jussieu. Planté en réalité un siècle plus tard, vers 1850, ce sophora a été abattu par la tempête de 1999. Un rejet de celui-ci a pu être obtenu à partir d'une racine prélevée sur sa souche, puis replanté au même endroit que celui d'origine.

ANNULEE COVID

le 23 juin 2020

Exposition Turner au musée Jacquemart André guidée

En 2020, le musée Jacquemart-André présente une rétrospective de Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Incontestablement le plus grand représentant de l’âge d’or de l’aquarelle anglaise, il en exploita les effets de lumière et de transparence sur les paysages anglais ou les lagunes vénitiennes.
Cette exposition révèle le rôle qu’ont joué les aquarelles dans la vie et l’art de Turner, des oeuvres de jeunesse qu’il envoya à la Royal Academy aux fascinantes expérimentations lumineuses et colorées de sa maturité. Pour un public moderne, ces dernières comptent parmi ses oeuvres les plus radicales et accomplies.

Grâce aux prêts exceptionnels de la Tate Britain de Londres, qui abrite la plus grande collection de Turner au monde, le musée Jacquemart-André accueille une exposition de 60 aquarelles et quelque 10 peintures à l’huile, dont certaines n’ont jamais été présentées en France.
Outre ses oeuvres achevées destinées à la vente, Turner conservait pour lui-même un fonds considérable d’oeuvres, laissé à sa mort dans sa maison et dans son atelier. Avec leur caractère propre, ces esquisses, plus expressives et expérimentales, sont certainement plus proches de sa vraie nature que celles peintes pour le public. Au total, après la mort de l’artiste, la nation britannique en 1856 reçoit un legs immense comprenant uneCette monographie évoque le jeune Turner, issu d’un milieu modeste. D’abord autodidacte, il travaille chez un architecte, prend des cours de perspective et de topographie, puis entre à l’école de la Royal Academy à l’âge de quatorze ans. Insatiable voyageur, il s'affranchit progressivement des conventions du genre pictural et met au point sa propre technique.
Un parcours chronologique permet de suivre pas à pas son évolution artistique : de ses oeuvres de jeunesse d’un certain réalisme topographique aux oeuvres de sa maturité, plus radicales et accomplies, fascinantes expérimentations lumineuses et colorées. Associées ici à quelques aquarelles achevées et peintures à l’huile pour illustrer leur influence sur la production publique de Turner, ces oeuvres très personnelles demeurent aussi fraîches et spontanées que lorsqu’elles sont nées sur le papier. centaine de peintures à l’huile, des études inachevées et des ébauches, ainsi que des milliers d’oeuvres sur papier : aquarelles, dessins et carnets de croquis.

ANNULEE COVID

le 26 mai 2020

Visite des jardins d'Albert Kahn

Le jardin à scènes conçu entre 1895 et 1920 par Albert Kahn et son chef jardinier Louis Picart, est aujourd'hui un témoignage exceptionnel de l'art horticole au tournant du 20e siècle.
Albert Kahn se consacre à sa passion pour l’art du jardin lorsqu’il devient propriétaire de son hôtel particulier situé 6 quai du 4-Septembre, en 1895.
Jusqu’en 1910, il constitue le terrain de son jardin en achetant progressivement une vingtaine de parcelles, rassemblées sur près de quatre hectares. Cette démarche conduit à la création d’un genre bien particulier au XIXe siècle : le parc dit « à scènes ». Chaque scène est une référence à un courant de l’art des jardins, complété selon les goûts et la sensibilité personnels d'Albert Kahn. Le style « régulier » dans le jardin français réalisé par les célèbres paysagistes Duchêne, le style « paysager » dans le jardin anglais, la mode du « japonisme » dans le jardin japonais ou encore une "scène sylvestre" dans la forêt vosgienne, évocation du paysage natal d'Albert Kahn. Ce jardin est le pendant végétal de l’œuvre du banquier.
Le mélange harmonieux d'essences végétales et florales issues des quatre coins du monde résonne avec l'idéal de paix universelle soutenu tout au long de sa vie par Albert Kahn au travers de la connaissance de la diversité des cultures.

Dans le cadre de la rénovation du musée, les interventions effectuées au sein du jardin, limitées au strict minimum, sont menées dans le respect des règles de préservation.
A l'instar de tout le travail de restauration entrepris depuis les années 1990 à l'appui des autochromes, elles prennent en compte les logiques paysagères dictées par l'histoire et l'esprit du lieu. L’articulation du nouveau bâtiment et du jardin anglais a été conçue dans un réel souci d’intégration. Les plantations envisagées sur ce secteur restent dans l'esprit de la scène paysagère contigüe pour assurer une continuité visuelle.
Le tracé des allées n'est absolument pas modifié. Le travail du paysagiste reste cantonné à des espaces qui ne sont pas aujourd’hui accessibles au public : l'arrière de la serre, actuellement une aire bétonnée, est qualifié en extension de la forêt vosgienne, et l'espace situé entre les différents bâtiments de l'administration, actuellement délaissé et peu entretenu, retrouve un caractère paysagé.

*ANNULEE COVID-19*

le 3 avril 2020

Visite de la cinémathèque : exposition Louis de Funès

Pile électrique et face atomique
Le 1er avril 2020, La Cinémathèque française consacre pour la première fois une grande exposition à un acteur, un petit bonhomme né de parents espagnols devenu le plus populaire des comiques français. Né Louis, Germain, David de Funès de Galarza, le 31 juillet 1914 à Courbevoie, Louis de Funès est mort le 27 janvier 1983 à Nantes, à soixante-huit ans. Dans la seconde moitié du XXe siècle, il va imposer progressivement son rythme à des films dont il finit par prendre possession, pour devenir l’auteur-compositeur de personnages à sa démesure.
Passionné de jazz, admirateur d’Erroll Garner et du virtuose Oscar Peterson, Louis de Funès gagne péniblement sa vie pendant la guerre comme pianiste de bar. Devenu acteur, le jazzman propose des variations sur le même thème et améliore sa partition de film en film. Son point d’orgue est un point d’exclamation. Combien de fois explose-t-il dit : « Foutez-moi l’camp ! », « Paf ! », « C’est pas possible ?! », « Ma biche ! », « C’est fini, oui ?! »…
Numéro 1 à cinquante ans
Daniel Gélin lui donne sa chance, Sacha Guitry sa confiance et Claude Autant-Lara l’enferme face à Gabin et Bourvil dans la cave de La Traversée de Paris. De Ah ! les belles bacchantes ! au Petit Baigneur, de Funès partage la fantaisie délirante des Branquignols de Colette Brosset et Robert Dhéry. Ni vu ni connu, pour reprendre le titre d’Yves Robert, un de ses premiers films en vedette, il grimpe en haut de l’affiche.
Après une centaine d’apparitions, quelques succès en noir et blanc et beaucoup de travail, son génie burlesque éclate en couleurs alors qu’il atteint la cinquantaine : Jean Girault lui offre un uniforme de gendarme millionnaire, Gérard Oury, ses plus beaux films dont La Grande Vadrouille, comédie de la réconciliation nationale qui va triompher dans le monde entier.

*ANNULEE COVID-19*

le 17 Mars 2020

Visite de l'Opéra Garnier

le 4 Février 2020

Visite de l'UNESCO

Située dans le septième arrondissement de Paris, à proximité du Champ-de-Mars et de la Tour Eiffel, la Maison de l’UNESCO abrite le siège de l’agence spécialisée de l’Organisation des Nations unies (ONU) depuis 1958. Trésor de l’architecture moderne, elle est le fruit de la collaboration entre plusieurs figures emblématiques du vingtième siècle, dont les trois architectes : Bernard Zehrfuss, Marcel Breuer et Luigi Nervi.

Cette visite guidée, qui a pour fil conducteur les actions et l’impact de l’Organisation des Nations unies pour l'éducation, la science et la culture, vous permettra de découvrir son fonctionnement et les valeurs qu’elle porte. Accompagné(e) par votre guide conférencier, vous traverserez les espaces emblématiques de l’établissement, comme ses impressionnantes salles de conférences, ses passerelles, ses couloirs en béton, le seul jardin japonais de Paris ou encore l’espace de méditation conçu par le célèbre architecte japonais Tadao Ando.

Cette visite guidée sera aussi l’occasion de découvrir les œuvres d’art exceptionnelles qu’abrite la Maison de l’UNESCO : de Miró à Picasso, de Giacometti à Calder, une collection unique et insoupçonnable de 600 œuvres d’art contemporaines se déploie au fil du parcours.

Que vous soyez intéressé(e) par les missions de l’UNESCO, féru(e) d’art et d’architecture, ou tout simplement désireux(se) de connaître le fonctionnement de cette organisation au service de la paix, cette visite guidée insolite au cœur de Paris saura éveiller votre curiosité et vous enthousiasmer.

*ANNULEE GREVE DE TRANSPORT*

le 10 Janvier 2020

Musée Cluny : La broderie au Moyen Age

La broderie à fils de soie, d’or et d’argent est l’un des arts les plus précieux et les plus prestigieux du Moyen Âge. Et pourtant… Ces oeuvres sont aujourd’hui méconnues. Le musée possède l’une des plus belles collections de broderies du 12e au 16e siècle du monde. Cette exposition est l'occasion de les faire dialoguer avec d'autres chefs d'œuvre de collections internationales.

Une rétrospective qui met en lumière "un art du luxe, qui emploie des matériaux précieux" et qui se veut également être "le témoignage d’un rang social et un objet de commerce et d’échange". Un art répandu au Moyen-Âge, mais des oeuvres encore trop peu connues aujourd'hui.

L'exposition propose un voyage au coeur de l'Europe, du monde germanique à l'Italie en passant par la Flandre, la France, l'Angleterre ou encore l'aire mosane. Au delà de leur fonction artistique, ces broderies sont également les témoins des prémices de l'histoire du commerce européen à l'époque, dont l'âge d'or est atteint bien plus tard, à la Renaissance. Cette rétrospective dresse également "un tableau de la fonction artistique et sociale de la broderie médiévale en abordant les techniques, processus de fabrication et relations entre commanditaires, brodeurs et brodeuses, peintres et marchands".

*ANNULEE PAR LA PHILHARMONIE*

le 21 novembre 2019

Charlie Chaplin

Cette exposition vous propose de redécouvrir l’œuvre du maître du cinéma muet dans sa dimension musicale et, plus largement, dans son rapport étroit à la danse, au rythme, à l’illusion de la parole et du son, tous rigoureusement « orchestrés » dans chacune de ses œuvres.

Né dans un quartier pauvre de Londres le 16 avril 1889, Charlie Chaplin mène une vie d’enfant de la balle et monte très jeune sur les planches du music-hall. À 18 ans, il est recruté par Fred Karno, le plus grand imprésario britannique de spectacles de cabaret. La deuxième tournée de la troupe aux États-Unis change le cours de sa vie : le jeune acteur est remarqué par Mack Sennett, fondateur des studios Keystone. Charlie Chaplin bascule alors de l’univers du music-hall à celui du cinéma et développe à l’écran les techniques apprises sur scène.

Dès 1914, Chaplin invente une silhouette reconnaissable entre mille, celle de Charlot, bientôt célèbre dans le monde entier. L’humour féroce des premiers films s’estompe peu à peu et le vagabond se nimbe d’un halo de poésie. Chaplin impose la dimension musicale de son personnage comme ressort comique et poétique : un corps dansant qui s’accorde au rythme du montage. Figure universelle, Charlot inspire des artistes comme Fernand Léger ou Marc Chagall, en tant qu’incarnation d’un art en mouvement, résolument moderne.

En 1927, alors que le cinéma bascule du muet au parlant, Chaplin voit l’opportunité de signer la musique de ses films. La musique doit servir de contrepoint de charme et ne pas concurrencer le comique de l’image. Conscient cependant que son comique repose sur la gestuelle, Chaplin retarde la prise de parole de Charlot, mais tire parti des nouvelles possibilités techniques qui lui sont offertes pour introduire des gags purement sonores.
Tout en ombre et lumière, l’exposition propose une immersion audiovisuelle adaptée à tous les publics. Complétant le parcours, des dispositifs interactifs permettent de mieux comprendre le cinéma à l’époque de Chaplin. En regard, tirages photographiques originaux, oeuvres d’art et documents rares dressent un panorama musical d’une richesse insoupçonnée, offrant ainsi un éclairage inédit sur la vie et l’oeuvre de l’un des plus grands artistes du xxe siècle.

le 15 octobre 2019

Degas Danse Dessin. Hommage à Degas avec Paul Valéry

A l'occasion du centenaire de sa mort, le musée d'Orsay rend hommage à Edgar Degas (1834-1917) avec une exposition dont le fil conducteur est l'ouvrage méconnu de l’écrivain, poète et penseur Paul Valéry (1871-1945).

L'amitié de plus de vingt ans de Degas et de Valéry a, en effet, donné lieu à un texte publié aux éditions Vollard en 1937, Degas Danse Dessin. Tout à la fois intime et universel, il offre une évocation poétique et fragmentaire de la personnalité du peintre et de son art, et comme une méditation sur la création.

Dans l'exposition, documents figurés et documents d'archive donnent à voir ces hommes et leurs sociabilités. Les nombreux dessins du premier et les fameux carnets du second montrent l'importance de ces productions qui ont été, pour l'un et l'autre, le creuset de leur art.

Les thèmes majeurs explorés dans Degas Danse Dessin sont évoqués en associant des extraits du texte de Valéry à des oeuvres graphiques, des peintures et des sculptures de Degas.

Cet écho entre texte et images invite à appréhender tour à tour la pratique de dessinateur de l'artiste, puis son attachement aux univers de la danse et de l'équitation, que Valéry lie à une même recherche du trait et du mouvement.

le 17 septembre 2019

Ateliers des Gobelins, dans les coulisses d'un métier d'art

L’enclos des Gobelins, ce n’est pas moins de 80 techniciens d'art, 14 500 nuances de couleurs, 600 dépositaires de la République aménagés, environ 5 « pièces » magistrales qui « tombent du métier » chaque année et 3 manufactures avec un savoir-faire unique et traditionnel en tissage qui perdure et s’étoffe au fil des époques.
La manufacture des Gobelins confectionne des tapisseries sur des métiers à tisser à la verticale dits de haute lice, la manufacture de Beauvais emploie quant à elle des métiers à tisser à l'horizontal dits de basse lice et la manufacture de la Savonnerie est spécialisée dans la création de tapis sur métiers de haute lice.

Placées sous l'autorité du Mobilier national, les manufactures participent à l'enrichissement et à la valorisation des collections mobilières patrimoniales françaises, ainsi qu'à la pérennisation de savoir-faire de haute technicité.
Votre guide conférencier vous mènera au plus près du métier de licier, en vous conduisant dans deux des trois ateliers en activité !

Ouvrez grand vos yeux et contemplez la minutie avec laquelle les techniciens d'art travaillent. Ils sont parmi les meilleurs liciers au monde et façonnent des œuvres monumentales d'après des modèles d'artistes contemporains.

La délicate manipulation de la broche, du peigne et du calque, la maitrise parfaite des nœuds, le positionnement méticuleux du miroir qui sert de contrôle pour le travail en cours ou encore la préparation de la « chaine », toutes ces techniques transforment la main de l’homme en main d'artiste accompli et la majestueuse machine en instrument délicat haut de gamme.

Vous comprendrez alors pourquoi l’achèvement d’une pièce est fièrement célébré. Après des années de travail le chef-d’œuvre est inventorié et mis à disposition pour meubler les hauts lieux de la République ou pour être présenté au public dans des lieux culturels.

le 14 juin 2019

La propriété Caillebotte à Yerres

La propriété où le célèbre peintre Gustave Caillebotte entre 1860 et 1879, et où il peignit près de 580 tableaux et dessins. Un lieu chargé d'émotion et d'histoire dans lequel l’artiste et sa femme ont pu vivre et transmettre aujourd’hui cette ambiance typique de l’époque. Une demeure vue comme une source d’inspiration majeure pour le peintre et qui reste au fil des années un témoignage exceptionnel et préservé de la maison à l’époque des impressionnistes.
Entièrement rénovée, la magnifique demeure à l'italienne, construite probablement vers la fin du XVème siècle, permet d’accéder à son atelier, aux salons, à la salle à manger, à la salle de billard entièrement redécorés et remeublés comme à l'époque du peintre. A l'étage, il est possible de découvrir le mobilier original dans la véritable chambre de l'artiste. Côté jardin, les visiteurs peuvent profiter des 11 hectares pour voyager : du casin italien à l’orangerie en passant par le kiosque oriental, l’Exèdre ou encore le coin des statuaires grecques… Les visiteurs peuvent peut-être retrouver quelques vues et paysages présents dans 90 des œuvres du maître. La rivière d’Yerres, représentée sur une vingtaine de tableaux de l’artiste, en est sans doute le point culminant. Il est même possible de faire de la barque ou du canoë.
La Propriété devient définitivement un lieu culturel incontournable en Île-de-France, haut lieux de l’impressionnisme, partenaire du réseau « Destination Impressionnisme » et prêt à accueillir de nombreux visiteurs dans ses jardins, ses lieux d'exposition. L’endroit se place ainsi comme un véritable témoin du mode de vie d'une famille aisée sous la Restauration. Une plongée dans l’histoire qui plaira aux amateurs tout comme aux néophytes.

Voici ci-dessous le site concernant les explications données par le guide de la façon dont on été reproduits les fresques en papiers peints qui ornent la salle à manger et le salon de la maison Caillebotte.

http://www.zuber.fr

le 27 mai 2019

Les Nabis et le décor

A la fin des années 1880, en réaction contre l’académisme et l’imitation illusionniste du réel, un groupe d’artistes se faisant appeler « les Nabis » veut abattre la frontière entre beaux-arts et arts appliqués. Les plus connus sont Bonnard, Vuillard et Maurice Denis. Isabelle Cahn, co-commissaire de l’exposition « Les Nabis et le décor », revient sur le parcours de cette exposition exceptionnelle qui réunit une centaine de peintures, dessins, estampes et objets d’art et présente aux visiteurs des ensembles décoratifs aujourd’hui dispersés.

À Paris, alors que fleurissent le symbolisme ainsi que les réactions au naturalisme des Impressionnistes, se forme vers 1888 un groupe aux contours parfois flous et à l’histoire courte d’une décennie : les Nabis. Découvrez qui ils étaient !

Un premier noyau s’est organisé sur les bancs de l’Académie Julian, école d’art privée des Grands Boulevards, autour de la figure de Paul Sérusier (1864-1927). À la faveur d’un séjour à Pont-Aven à l’été 1888, celui-ci peint un petit panneau sur les indications de Paul Gauguin (1848-1903) : Le Talisman.
De retour à l’automne, Sérusier le montre à ses amis de l’atelier, Pierre Bonnard (1867-1947), Maurice Denis (1870-1943), Henri-Gabriel Ibels (1867-1936) et Paul-Élie Ranson (1861-1909), fascinés et séduits. Ce Talisman, exécuté selon les principes du synthétisme de Gauguin (couleurs posées en aplat, formes cernées et schématisées, rejet du détail), fait rapidement office de programme, ainsi résumé par Denis dans un article resté célèbre : « Se rappeler qu’un tableau – avant d’être un cheval de bataille, une femme nue, ou une quelconque anecdote – est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées. »

Mais ces jeunes gens connaissent encore très mal Paul Gauguin et la découverte de son travail au Café Volpini (dans l’enceinte de l’Exposition universelle de 1889), et de celui de quelques autres comme Émile Bernard, constituera une étape importante dans la genèse du groupe : « Quel éblouissement d’abord, et ensuite quelle révélation ! Au lieu de fenêtres ouvertes sur la nature, comme les tableaux des impressionnistes, c’étaient des surfaces lourdement décoratives, puissamment coloriées et cernées d’un trait brutal, cloisonnées [...]. Nous retrouvions, dans ces œuvres insolites, l’influence de l’estampe japonaise, de l’image d’Épinal, de la peinture d’enseigne, de la stylisation romane. »
Nos quelques artistes – Bonnard, Denis, Ibels, Sérusier et Ranson –, majoritairement issus de milieux aisés, se désignent désormais sous le nom de « nabi », terme emprunté à l’hébreu biblique et qui signifie prophète. Tantôt potaches, tantôt grisés d’une spiritualité exaltée, ils se retrouvent chaque semaine, inventent des rituels et usent entre eux d’un langage ésotérique. Est nabi qui participe aux réunions ou, pour ceux établis à l’étranger, aux échanges : dès 1890, Ker-Xavier Roussel (1867-1944) et Édouard Vuillard (1868-1940) gonflent les rangs du mouvement, suivis ensuite de Jan Verkade (1868-1946), Georges Lacombe (1868-1916), Félix Vallotton (1865-1925), ou, un peu plus tardivement, de Jozsef Rippl-Ronai (1861-1927) et d’Aristide Maillol (1861-1944).
À la manière des sociétés secrètes, ils se donnent des sobriquets : Bonnard, pour son goût des estampes japonaises, est surnommé le « nabi très japonard », Denis, grand amateur des Primitifs italiens, le « nabi aux belles icônes », Vuillard, frais émoulu de l’armée, le « nabi zouave », Sérusier, pour sa pilosité rousse, le « nabi à la barbe rutilante », etc.

le 19 avril 2019

Les musiciens de Doisneau

En ethnographe de son époque, Robert Doisneau eut la curiosité d’aller partout. Muni de son inséparable appareil photo, il a sillonné Paris et sa banlieue dans tous les sens. Des bals populaires aux fanfares, en passant par les cabarets, il a croisé musiciens de jazz et vedettes de son époque. Homme de spectacle, pour qui l’image devait être mise en scène, il répondait toujours avec bonheur aux commandes de journaux pour immortaliser Georges Brassens, Juliette Gréco, Charles Aznavour, Claude François… et, bien sûr, son ami le violoncelliste Maurice Baquet.
« Quand nos routes se sont croisées, j’avais trouvé mon professeur de bonheur. »
Loin de la nostalgie, l’exposition permet de découvrir une autre facette du photographe, plus inattendue : un homme résolument tourné vers demain, heureux d’immortaliser une nouvelle génération de musiciens dans les années 1980, comme les Rita Mitsouko ou Les Négresses vertes.

L’exposition
Dévoiler la dimension musicale de l’imaginaire et de l’œuvre du photographe : voici l’ambition de ce parcours original, qui rassemble plus de deux cents photographies.

le 21 mars 2019

Visite de l'usine Peugeot à Poissy

Année de création
1938

Activité
Site de production

Superficie
156 ha 555 000 m2 d’atelier

Certifications
ISO 9001 et ISO 14001

Effectif
4 200 salariés

Environnement
Recyclage et valorisation de 98% des déchets

Production
233 935 véhicules ont été produits en 2017 avec une cadence de 54 véhicules/heure

Production
Poissy, au cœur du dispositif de production du Groupe PSA. Dédié à la production des véhicules de la plate-forme 1, le site de Poissy fabrique des véhicules appartenant au segment B à faibles rejets de CO2 : La Peugeot 208, ainsi que la DS3 et le DS3 Crossback pour la marque DS.
Situé en bordure de Seine, à deux pas de la ville de Poissy (38 077 habitants), le site s'étend sur 156 hectares, dont 555 000 m² d’atelier.

PSA Poissy

le 19 février 2019

Les coulisses du Printemps, des souterrains à la coupole

Un parcours guidé vous emmène pour la première fois dans les coulisses du Printemps, des souterrains du Grand Magasin jusqu’au toit jardin et sa vue imprenable sur la capitale, en passant par la célèbre coupole Art déco.

En 1865, le jeune entrepreneur Jules Jaluzot crée avec sa femme, Augustine, les « Grands Magasins du Printemps », avec l’ambition de créer un nouveau temple de la Mode et de l’avant-garde dans un Paris en pleine mutation. En choisissant le boulevard Haussmann, qui vient juste d’être percé, ils relèvent un vrai pari : l’Opéra Garnier n’est alors qu’un vaste chantier et le tumulte de la Gare Saint Lazare dissuade les promeneurs.

C’est le début d’une aventure passionnante, jalonnée d’un siècle de révolutions sociétales, techniques et architecturales. La foule s’y presse pour découvrir les dernières innovations : des premiers ascenseurs hydrauliques à l’éclairage
électrique, quatre ans seulement après le brevet d’Edison, en passant par l’architecture de fer et de verre. Ravagé par le feu, menacé par les guerres, le Printemps a été le témoin de nombreux évènements et le théâtre des inventions de son siècle.

Derrière sa façade inscrite au titre des Monuments Historiques, dans les profondeurs des sous-sols, des dizaines de techniciens et d’artisans travaillent chaque jour pour l’entretien de cet ensemble de 4 édifices répartis sur 48 niveaux et plus de 90 hectares de surface totale.

Cette visite guidée vous révèlera les secrets liés à l’architecture, l’histoire et le fonctionnement du Grand Magasin. Conçue comme un voyage vertical, elle vous fera découvrir l’une des plus belles vues de Paris sur ses toits en zinc, avant de descendre dans les galeries souterraines. Les indispensables machineries et les ateliers où s’exercent miroitiers et menuisiers se dévoileront derrière chaque porte ouverte dans ce dédale de couloirs.

D’accès privés en passages confidentiels, vous pourrez admirer les pièces maîtresses du Printemps telles que les escaliers flottants, les grilles d’origine du magasin, et la face cachée de la majestueuse coupole de verre de 20 mètres de diamètre qui surplombe l’édifice à 50 mètres de hauteur.

Du ciel au sous-sol, du Second Empire au XXIème siècle, du néo-classicisme à l’ère contemporaine en passant par l’Art nouveau et l’Art déco, omniprésents dans son architecture, cette visite est un voyage au cœur de l’héritage du Grand Magasin et de ses transformations depuis plus de 150 ans.

le 19 février 2019

ANNULEE VOIRE REPORTEE

Plongée au cœur de la Seine Musicale

Accompagné par un guide conférencier, vous découvrirez d’abord tous les secrets d’architecture de La Seine Musicale. Imaginé comme un paquebot flottant sur la Seine, cet édifice dessiné par les célèbres Shigeru Ban et Jean de Gastines vous fera vibrer d’émotions. Votre guide vous permettra de vous repérer dans et autour des bâtiments tout en vous présentant l’architecture admirable du lieu et son intégration au sein de l’environnement exceptionnel que représente l’Ile Seguin.
Vous arpenterez les couloirs de la Grande Rue, qui vous mèneront au cœur de la Grande Seine, impressionnante salle de spectacle modulable à l’infini. De part et d’autre, vous aurez la chance de découvrir les cabines de traduction et studios d’enregistrement, la salle de presse et les loges, vous permettant de ressentir l’intimité des plus grands artistes. Vous serez ensuite fasciné par la grandeur et l’architecture boisée de l’Auditorium.
Au milieu de ce décor spectaculaire, la riche programmation culturelle de La Seine Musicale vous sera dévoilée et vous permettra de ressentir l’émotion des milliers de spectateurs prêts à applaudir les shows de Bob Dylan, West Side Story ou encore Holiday on Ice…
Ce merveilleux outil artistique et culturel, commandé par le département des Hauts de Seine et destiné à devenir la figure de proue de la Vallée de la Culture, n’aura alors plus aucun secret pour vous !
A noter : La Seine Musicale étant un lieu de spectacle, pour des raisons artistiques ou techniques, l’accès à certains espaces ne peut être garanti le jour J. Pour le respect du droit à l'image, il est formellement interdit de prendre le personnel du site en photo, ainsi que les artistes et/ou décors en cas de production.

le 22 Janvier 2019

exposition : collections privées des impressionnistes aux fauves

Le musée Marmottan Monet présente, du 13 septembre 2018 au 10 février 2019, l’exposition « Collections privées : un voyage des impressionnistes aux fauves ». Soixante-deux peintures, dessins et sculptures conservés en mains privées (Europe, Etats-Unis, Amérique latine) et dont une importante partie n’a jamais ou rarement été vue à Paris, composent un itinéraire pictural, de Monet à Matisse.
Ce n’est pas un hasard si une telle manifestation a pour écrin l’hôtel particulier de la rue Louis Boilly dans le seizième arrondissement de Paris. Rappelons-le, le musée Marmottan Monet est avant tout un musée de collectionneurs c’est-à-dire une institution dont l’intégralité des collections permanentes – y compris le premier fonds mondial d’œuvres de Claude Monet - est issu de donations privées. Ainsi, sa vocation scientifique est d’apporter un éclairage sur le rôle des amateurs dans la vie des arts, son devoir est de leur rendre hommage.
C’est dans ce cadre que s’inscrit «Collections privées : un voyage des impressionnistes aux fauves ». Conçue comme une suite aux « Impressionnistes en privé » présentée en 2014 pour le 80èmeanniversaire du musée, l’exposition présente non seulement des chefs-d’œuvre de l’impressionnisme mais aussi des pièces majeures ou insolites issues des principaux courants picturaux qui ont marqué la vie des arts en France jusqu’au début du XXesiècle.
Dix-neuf Monet, Renoir, Pissarro, Degas et Caillebotte inaugurent le parcours. Paysages de Bordighera, Belle-Ile, Rouen, Varengeville, bouquets de chrysanthèmes et autre nature morte, élégants portraits féminins et scènes de genre figurent dans cette section qui s’organise autour du spectaculaire Pont de l’Europede Gustave Caillebotte, le dernier chef-d’œuvre monumental de l’artiste en mains privées. Le néo-impressionnisme est représenté par de rares Seurat, Signac, Rysselberghe mais aussi Van Gogh.
Gauguin arrive ensuite avec l’école de Pont Aven remarquablement mise en avant à travers des pièces majeures d’Emile Bernard dont Le Printemps et Les lutteurssont présentés pour la première fois à Paris. La figure singulière de Toulouse-Lautrec n’est pas oubliée avec trois importants tableaux. Dans le registre de la sculpture, Camille Claudel a la part belle avec quatre numéros dont un plâtre inédit de La petite châtelaine. Citons également un marbre de Rodin : Tête de Saint Jean Baptisteet Tête d’Apollon de Bourdelle en bronze doré. Suivent les nabis : Bonnard, Vuillard et enfin Odilon Redon dont Le Quadrige, le char d’Apollonconstitue une pièce marquante de l’exposition. Le parcours se poursuit avec Matisse dont l’une de œuvres, le précoce Côte sauvage, Belle-Ile-en -mer, n’est pas sans rappeler les Pyramides de Port Coton, effet de soleilde Monet présenté en début de parcours. Des œuvres fauves de Derain, Vlaminck, Dufy et Van Dongen clôturent l’exposition conçue comme une promenade à travers le temps et une ode à la couleur. Un parcours flamboyant.

le 15 Décembre 2018

Caroline Fauchet au piano et Adèle Auriol au violon

Chez Claire Joullié

Caroline FAUCHET voit le jour en 1983 à Saint-Germain-en-Laye, ville d'art de d'histoire, près de Paris. Enfant de musiciens, Caroline commence ses études musicales au Conservatoire de Musique de Saint-Germain-en-Laye où elle obtient à l’âge de 14 ans deux Médailles d’Or en piano et musique de chambre.

Caroline continue ses études à l’Ecole Normale de Musique de Paris, dans la classe de la réputée pianiste et pédagogue Germaine Mounier, alors qu'elle se produit déjà régulièrement en concert.
En 1998 à la prestigieuse Salle Gaveau , elle interprète, avec orchestre, le Concerto en Ré mineur de W. A. Mozart. Ce concert fut donné en l'honneur du Prix Nobel de la Paix Aung San Suu Kyi.

En 2010, son premier enregistrement pour piano seul, l'album Caroline Fauchet Piano, est consacré aux oeuvres de F. Chopin, F. Liszt, S.Rachmaninoff, C. Debussy et A. Ginastera. Elle obtient l’année d’après une bourse de la Société Serpev qui lui permettra plus tard d’enregistrer deux disques sous les label Centaur et Undici 07 avec l'altiste américain de réputation internationale Brett Deubner.

En 2011, Caroline est lauréate du Prix des « Travaux artistiques et manuels » du Rotary Club de Paris-Doyen. En novembre, Caroline Fauchet donne une série de concerts avec le pianiste de jazz Stephen Binet à l'Ile Maurice. Ils sont invités par la Société Musicale de l'Ile Maurice.

Lors de ses voyages aux Etats-Unis, Caroline Fauchet a donné régulièrement des Master class dans des universités, notamment à la William Patterson, l'UCLA Los Angeles University, l'Occidental College, l'Ocean County. Au cours de sa dernière tournée à New York en novembre 2014, Caroline Fauchet collabora avec l’altiste compositrice américaine Jessica Meyer. Ensemble, les deux concertistes se produisirent une semaine plus tard en France, notamment au fameux Sunset Jazz Club, avec un programme jazz franco-américain.

Aujourd'hui, Caroline Fauchet partage sa carrière de concertiste entre le DEUBNER FAUCHET DUO et ses concerts solistes, mais se produit aussi avec la violoniste Adèle Auriol. Sans rien retirer de sa passion
pour l’enseignement, puisque Titulaire du Diplôme d’Etat après deux ans de formation au Cefedem Ile-de-France, Caroline enseigne en région parisienne depuis huit ans, et organise chaque été en Provence
des stages musicaux.

. https://www.youtube.com/watch?v=ndnhVhjIgTw

le 6 Décembre 2018

exposition Peinture des lointains

Pour la première fois, le musée du quai Branly - Jacques Chirac expose une généreuse sélection de peintures, dessins et laques où l’odalisque d’Ange Tissier côtoie les portraits d’Amérindiens de George Catlin, et où les scènes de vie quotidienne cairote d’Émile Bernard voisinent les estampes et dessins de Tahiti signés Matisse ou Gauguin. Pour autant, la plupart des œuvres restent encore à découvrir par le public.
Sa collection de plus de 500 tableaux et décors peints est l'héritage du musée national des arts d'Afrique et d'Océanie de la porte Dorée. Cet ensemble, issu des époques coloniales, a pour toile de fond l'Afrique, l'Indochine, le Proche-Orient, mais aussi les Amériques et le Pacifique. Il révèle, en s'appuyant sur ce contexte historique particulier, les sources d'inspiration des artistes : visions exotiques et fantasmées, perspectives ethnographiques et propagande de l'impérialisme, de la fin du XVIIIe au milieu du XXe siècle, traversent ainsi ces œuvres.

À travers cette collection, c’est aussi l’histoire d’une rencontre avec l’Autre et l’Ailleurs qui est contée, l’évolution du regard artistique face à l’inconnu qui est questionnée. Dans une Europe en pleine expansion coloniale, face au choc d’un monde qu'il entrevoit, l’art occidental emprunte différentes voies. Cédant d’abord à la tentation de l’exotisme – où l’exaltation de la couleur et de la lumière sert les rêves d’un Orient de luxe et de volupté – il figurera par la suite un regard plus réaliste, ethnographique, attentif à l’autre.
Entre onirisme et naturalisme, fantasme et documentaire, romantisme et propagande coloniale, un miroir de l’histoire artistique et politique.

le 8 Novembre 2018

exposition Gustav Klimt

Pour son ouverture, l'Atelier des Lumières présente un parcours immersif autour des représentants majeurs de la scène artistique viennoise, dont Gustav Klimt fait figure de proue. À l’occasion du centenaire de sa disparition, ainsi que celle d’Egon Schiele, leurs oeuvres s’animent en musique sur l’espace de projection XXL de l’ancienne fonderie.
Dans la Vienne impériale de la fin du XIXe siècle, Gustav Klimt figure parmi les grands peintres décoratifs des somptueux monuments de la Ringstrasse. À l’aube du siècle nouveau, il s’impose à la tête de la Sécession viennoise, un courant qui aspire à régénérer l’art en profondeur. Célébré autant que contesté, Klimt ouvre la voie vers la peinture moderne. L’or et les motifs décoratifs, caractéristiques de ses oeuvres, resteront un symbole de cette révolution artistique. L’exposition immersive présente ainsi les oeuvres qui ont fait la singularité et le succès de Klimt : sa période dorée, ses portraits et ses paysages.
L’exposition immersive présente également des oeuvres de grands artistes viennois comme Egon Schiele et Friedensreich Hundertwasser, influencés par le travail de Klimt. Poussé par l’effervescence artistique caractéristique de la fin du XIXe siècle, Schiele s’inscrit dans une nouvelle forme de représentation du paysage et du corps humain. Quant à Hundertwasser, dont nous célébrerions les 90 ans en 2018, il insuffle à ses constructions architecturales autant qu’à ses peintures une dimension toute symbolique.

Produite par Culturespaces et réalisée par Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi, avec la collaboration musicale de Luca Longobardi, cette programmation artistique inaugurale invite les visiteurs à un voyage au coeur des oeuvres colorées et lumineuses de Gustav Klimt, de ses contemporains et de ceux qu’il a inspirés. Traversant 100 ans de peinture viennoise, l’exposition immersive propose un regard original sur Klimt et ses successeurs à travers la mise en scène des portraits, paysages, nus, couleurs et dorures qui ont révolutionné la peinture viennoise dès la fin du XIXe siècle et pendant le siècle suivant.

le Jeudi 4 Octobre

Alphonse Mucha

Artiste tchèque de renommée internationale, Alphonse Mucha reste indissociable de l’image du Paris 1900. Sa célébrité lui vient surtout de ses élégantes affiches d’un style très affirmé, emblématique de l’Art Nouveau. Mais son activité d’affichiste occulte trop souvent les autres aspects de sa production comportant aussi des peintures, des sculptures, des dessins, des décors, des objets d’art… Au travers de toutes ces œuvres, c’est la figure d’un homme qui se dessine, mystique et visionnaire, animé d’une véritable pensée politique, à l’heure du renouveau national tchèque et de l’éclatement de l’empire austro-hongrois. Tout le travail préparatoire pour L’Épopée slave qui l’occupe entre 1911 et 1928 témoigne de son attachement à son pays natal et de son rêve d’unité entre les peuples slaves. Au-delà du maître de l’Art Nouveau, c’est donc l’œuvre foisonnante et la personnalité singulière de cet artiste que l’exposition entend révéler aux visiteurs.

Commissariat : Tomoko Sato, conservateur de la Fondation Mucha, Prague

Exposition organisée par la Rmn-Grand Palais en coproduction avec Arthemisia avec la collaboration de la Fondation Mucha, Prague

le 14 septembre 2018

Le patrimoine souterrain de Pontoise

Le centre historique de Pontoise est construit sur un plateau, appelé Mont Bélien. Très tôt, les habitants ont extrait le calcaire de ce plateau pour édifier la ville.
Des carrières ont été creusées et exploitées jusqu’au XIVème siècle, créant ainsi le patrimoine souterrain de Pontoise.
Aujourd’hui, l’Office de Tourisme vous propose de découvrir ce ”monde parallèle”, en organisant chaque dimanche des visites. À ce jour, 900 cavités ont été répertoriées sur 20 % du territoire de la commune.
Les caves, lieux de stockage...
La grande majorité des maisons du centre-ancien de Pontoise est dotée d’une cave. Ces celliers privés, construits au cours de la période médiévale, sont d’une grande diversité quant à leur style et leur fonction (volumes, plusieurs niveaux...).
Ces caves sont rattachées aux habitations et au Moyen-âge ont pour principale fonction le stockage des marchandises et la conservation des denrées.
Ce sont souvent des galeries assez larges, aux parois parfois brutes, avec de nombreux aménagements, pouvant se répartir sur 3 niveaux comme la cave ”Pihan de la Forest”. Il s’agit en général de dépendances directes pour les immeubles d’habitations.
Les grandes caves sont quant à elles utilisées comme lieux de stockage par les marchands établis à Pontoise, pour la conservation du vin ou des céréales. L’accès à ces entrepôts s’effectue par la rue.
... d’une grande variété esthétique
Les caves de Pontoise sont esthétiquement d’une grande variété et certaines sont richement décorées (voûtes à croisées d’ogives, escalier voûté...).
L’existence de ces chapiteaux décorés prouve qu’au Moyen-Age ces celliers étaient ouverts aux acheteurs potentiels venus de toute l’Ile de France, voire de plus loin lors des grandes foires à l’exemple de la Foire Saint-Martin.
Mais encore...
Des refuges pour la population
Au cours des différents sièges et conlits que Pontoise a connus, les cavités souterraines ont souvent servi de refuge.
Plus récemment, au cours de la dernière Guerre mondiale, les carrières ont été transformées en abris pour la population en cas de bombardements aériens.
Des fosses d’aisance
A partir du XVIIème siècle, les cavités servent de dépotoirs ou de fosses d’aisance.
Grâce à cette accumulation de déchets sur plusieurs siècles, ces cavités sont une extraordinaire source d’informations sur le passé.
L’habitat troglodytique
Dans le quartier de l’Hermitage, se trouvait jusqu’au XIXème siècle un ensemble de maisons creusées dans la roche ou appuyées sur des cavités.
Aujourd’hui, une seule habitation troglodytique est encore habitée rue Adrien Lemoine.

le 14 septembre 2018

Pontoise, ville d'Art et d'Histoire
C’est dans la région Île-de-France, dans le Val d'Oise, que se trouve la commune de Pontoise. Celle-ci est nichée sur la rive droite de l’Oise, à une trentaine de kilomètres de Paris. Cette ville au fascinant passé réserve bien des surprises aux touristes.
Découvrir Pontoise, c’est faire connaissance avec une magnifique cité qui laisse derrière elle deux mille ans d’histoire. Capitale de la province historique du Vexin, ville royale sous Louis IX et cité d’importance au cours de l’époque médiévale, Pontoise possède un patrimoine historique et architectural exceptionnel, méritant largement que l’on s’y attarde. La richesse de ce patrimoine a d’ailleurs valu a la cité d’obtenir le label de « Ville d’Art et d’Histoire ».
Pontoise est nichée sur un éperon rocheux surplombant les environs et offrant un magnifique point de vue sur l’Oise et la Viosne. Ce petit port propose un cadre pittoresque aux vacanciers qui désirent goûter à l’évasion et découvrir une cité aux mille trésors.
Au cours d’un séjour à Pontoise, on apprécie le charme d’une ville historique, abritant plusieurs édifices anciens classés ou inscrits au titre de Monument Historique. Une portion de la cité, à savoir le pittoresque quartier de l’Hermitage et le mont Bélien, est inscrit. Le parc du château de Marcouville est, quant à lui, classé.
Ceux qui apprécient les jolis endroits seront ravis de découvrir les jardins et les parcs de la ville. Citons notamment les jardins privés de l’Hermitage, le parc des Larris, le Clos des Anglaises ou encore le jardin des Cinq Sens qui cerne le musée dédié à la peintre impressionniste Pissarro. Le jardin de la Ville, qui date du XVIIIe siècle, est de type jardin d’agrément.
Les inconditionnels de culture peuvent visiter le musée Tavet-Delacour, abrité par un hôtel particulier datant du XVe siècle. Y sont exposés des vieux manuscrits, des peintures contemporaines ainsi que des sculptures médiévales.

le Jeudi 21 juin

au musée Jacquemart : Mary Cassatt

Figure féminine de l'impressionnisme
L’exposition met à l’honneur l’unique figure féminine américaine du mouvement impressionniste, qui, repérée par Degas au Salon de 1874, exposera par la suite régulièrement aux côtés du groupe. Cette monographie permettra aux visiteurs de redécouvrir Mary Cassatt à travers une cinquantaine d’oeuvres majeures, huiles, pastels, dessins et gravures, qui, accompagnés de divers supports documentaires, raconteront toute la modernité de son histoire, celle d’une Américaine à Paris.
Une approche franco-américaine de la peinture
Issue d’une riche famille de banquiers américains d’origine française, Mary Cassatt a séjourné quelques années en France durant son enfance, puis poursuivi ses études à l’Académie des Beaux-Arts à Pennsylvanie, avant de s’intaller définitivement à Paris. Ainsi, elle n’a cessé de naviguer entre deux continents. Cette dualité culturelle se répercute sur le style singulier de l’artiste qui a su se frayer un chemin dans le monde masculin de l’art français et réconcilier ces deux univers.
L’originalité du regard
Tout comme Berthe Morisot, Mary Cassatt excelle dans l’art du portrait, qu’elle approche de manière expérimentale. Influencée par le mouvement impressionniste et ses peintres aimant à dépeindre la vie quotidienne, Mary Cassatt a pour sujet de prédilection les membres de sa famille qu’elle représente dans leur environnement intime. Son regard unique et son interprétation moderniste du sujet traditionnel de la mère à l’enfant lui vaudront, par ailleurs, une reconnaissance internationale. À travers cette thématique, le public reconnaîtra de nombreuses facettes familières de l’impressionnisme et du postimpressionnisme français et découvrira de nouveaux éléments qui relèvent de l’identité farouchement américaine de Mary Cassatt.

le mardi 12 juin

chez Claire Joullié

Concert de jazz impro " with thanks to Debussy and Ravel"

Richard est l’un des musiciens plus polyvalents de l’Ecosse, qui a influencé toute une génération d’enseignants et d’étudiants avec ses méthodes innovantes d’enseignement improvisation par trente ans de travail avec Fife Youth Jazz Orchestra (FYJO) et un carrière en tant que compositeur, interprète et chef d’atelier.
En tant que compositeur, Richard a écrit pour des artistes aussi divers que Colin Currie, Georgie Fame, Tommy Smith et Guy Barker. Ses nombreux travaux de FYJO ont été enregistrées et diffusées. Un programme documentaire du jeune musicien de BBC2 de l’année en 1996 a apporté ses méthodes d’enseignement à un public plus large.
Pianiste et organiste, Richard donne des récitals sur l’Art de l’Improvisation et pouvez improviser dans n’importe quelle touche, dans n’importe quel modèle au moindre soupçon d’un thème ! Il est Radio Scotland « Jazz Jargonbuster » et a fait preuve de beaucoup de styles de Jazz dans «The Jazz House» et a ouvert la musique classique à un nouveau public à « Classics Uncovered ».
Comme un chef d’atelier, il est revenu récemment de l’Asie du sud-est où il a dirigé des séminaires piano jazz pour les Associés Conseil, dont il est un personnage clé dans l’élaboration de leurs programmes de jazz. Il a dirigé National Youth Jazz Orchestra of Scotland en 2004 et 2005 et est un mentor pour plusieurs bandes de jeunes au Royaume-Uni. Il a été mise à jazz au nord-est de l’Ecosse dans le cadre de l’Initiative de musique des jeunes et a été la formation professeurs de musique dans ses méthodes de mise en scène un big band sans musique.
Il est l’auteur de « Jazz Beginnings, Creative Jazz Education » et Petit Jazz Band pour la salle de classe et un collaborateur régulier au Magazine de Professeur de musique .
Activités récentes comprennent des présentations pour l’Association des écoles de la musique, Association écossaise des éducateurs de musique et de l’Association nationale des éducateurs de musique, ainsi que les commissions pour Dumfries Youth Jazz Orchestra et le Wigmore Hall de Londres pour lesquels Richard a produit un CD-ROM de jazz et de Musique Baroque. Il est également apparu avec Phil Cunningham dans la série en six épisodes de BBC2, « La musique de l’Ecosse ».
Son travail le plus récent est « Listen Up », un nouveau Guide de personnes jeunes aux instruments de l’orchestre, Big Band, groupe de Folk et de rock issu célèbre Trumpet Tune de Jeremiah Clarke. Ce travail, a été créé en mai 06 a suscité beaucoup d’intérêt, comme une œuvre majeure de susciter l’intérêt des jeunes à jouer un instrument de musique. Un DVD sera publié prochainement.
Ses plus récentes réalisations incluent laissant enseigner (après 35 ans) pour se concentrer sur des activités freelance ! et son prix comme le All Party Parliamentary Group de satisfaction de Jazz « Jazz éducateur ».

le mercredi 30 mai : la Hongrie de Liszt https://youtu.be/s06Om51U-Js

C'est au conservatoire de Marseille que Pierre Morabia commence ses études musicales, sous la direction de Pierre Barbizet.
Venu se perfectionner au C.N.S.M de Paris et notamment auprès de Ventislav Yankoff, Roger Boutry, Serge Nigg et Jean Koerner-, il y obtient de nombreuses récompenses : Premiers Prix de piano, de musique de chambre, d'accompagnement, d'harmonie, de contrepoint, et un Second Prix d'orchestration. Il y fréquente aussi les classes d'acoustique et de musique indienne.
Attiré par le dynamisme musical des pays d'Europe Centrale, il complète sa formation dans la classe de Ferenc Rados au sein de l'Académie Ferenc Liszt de Budapest (Hongrie).
Lauréat du Concours International de Piano d'Epinal et du Concours International de Musique de Chambre de Paris, Pierre Morabia se produit comme soliste avec orchestre, en récital et en formation de chambre, en France mais aussi à l'étranger (Angleterre, Hollande, Allemagne, Danemark, Lituanie, Ukraine, Lituanie, Pologne, Roumanie, Suède, République Tchèque, Island, Japon ) et participe à diverses émissions de radio et télévision.
En possession d'un répertoire varié, et refusant la spécialisation, il est néanmoins attaché à défendre la musique française. Lauréat du Prix Albert Roussel, distingué par l'Académie Maurice Ravel, et fort des conseils de Vlado Perlemuter et de François-René Duchable, il s'est fait l'interprète fréquent et particulièrement à l'étranger- de Rameau, Chabrier, Franck, Fauré, Satie, Debussy, Ravel, Poulenc, Ohana
Intéressé par toutes les formes d'expressions artistiques, et par les correspondances secrètes qui les relient, Pierre Morabia a poursuivi, parallèlement à sa formation musicale, des études approfondies d'Histoire de l'Art et d'Archéologie.
Titulaire de trois certificats d'aptitudes, il enseigne actuellement au Conservatoire de Marseille.

Les Passages Couverts de Paris

Ancêtres des Grands Magasins, les passages couverts de Paris sont un fabuleux témoin de l’histoire de Paris et de son extraordinaire développement à l’aube du 20e siècle.
On en comptait 137 en 1828, il n’en reste plus que 24. Symboles de la Révolution industrielle et du capitalisme moderne, les passages couverts ont rythmé la vie de la capitale dans la première moitié du 19e siècle. Une architecture extraordinaire pour l’époque que vous découvrirez lors de cette visite guidée.
Passage des Panoramas, Galerie Vivienne, Passage Jouffroy… Cette visite vous fera traverser certains des plus beaux passages de Paris, et vous replongera dans l’ambiance du Paris du 19e siècle. Vous visiterez également d’autres passages peu connus du grand public, dont l’intérêt historique, tout aussi important, vous permettra de comprendre à quel point les passages ont révolutionné le commerce de l’époque et la vie de la cité.

Sculpteur reconnu dès les années 20 pour sa pratique de la taille directe, du bois (Samson et Dalila, Le Prophète) et de la pierre (Dame à la mandoline, Maternité), Zadkine s’inscrit alors dans le courant du primitivisme et des recherches de l’avant-garde du début du XXème siècle. « Je pense que les sculpteurs de ma génération tels que Gaudier-Brzeska, Villon, Archipenko, Brancusi, Lipschitz et moi-même, déclarait Zadkine, pouvons être considérés comme les continuateurs de l’antique tradition de ces tailleurs de pierre et de bois, qui, partis de la forêt, chantaient librement leurs rêves d’oiseaux fantastiques et de grands fûts d’arbres. »

Après un court intermède cubiste de géométrisation des formes (Femme à l’éventail, Accordéoniste), il s’oriente ensuite vers une relecture de l’Antiquité comme en témoigne son intérêt dans les années 30 pour les thèmes mythologiques (Rebecca, Niobé) et les groupes sculptés en bronze (La Naissance de Vénus). En 1938, il s’engage dans quatre projets de monument à des poètes, Apollinaire, Jarry, Lautréamont, et Rimbaud. Après guerre, le Monument pour la ville détruite, érigé sur le port de Rotterdam en 1953, figure emblématique de la douleur humaine, consacre l’évolution de son oeuvre vers un expressionnisme baroque. « L’émotion ! l’humain ! …L’objet que crée la sculpture doit engendrer l’émotion chez celui qui le regarde ». Zadkine est, à ce titre, considéré comme un précurseur de l'introduction de l'art moderne dans l'espace public.

La fusion de l’humain et du végétal devient un de ses thèmes de prédilection donnant naissance à des œuvres monumentales, Orphée, La forêt humaine. Dès 1955, Zadkine réalise plusieurs études pour la commande d’un Monument à Van Gogh qui sera érigé à Auvers en 1961, d’autres monuments verront le jour, à Wasmes, Zundert et St Rémy de Provence.

Alors que la figure humaine a toujours été au centre de son travail, dans ses dernières sculptures conçues pour l’architecture, Zadkine s’engage à la fin de sa vie dans une nouvelle voie de formes abstraites, de réseaux d’arabesques et d’entrelacs. Le catalogue raisonné de l’œuvre sculpté de Zadkine dénombre 593 sculptures. Elles se répartissent entre bois (131), pierres et marbres (112), terres (132), plâtres et bronzes.

Le 22 Mars 2018

Villa Savoye et loge du jardinier, Poissy, France, 1928

La Villa Savoye est l’icône absolue du Mouvement moderne, immédiatement reconnue comme telle.

Bâtiment figurant dans la série inscrite sur la liste du patrimoine mondial de l'Unesco, 2016

Cette villa a été construite dans la plus grande simplicité, pour des clients dépourvus totalement d'idées préconçues: ni modernes, ni anciens. Leur idée était simple: ils avaient un magnifique parc formé de prés entourés de forêt; ils désiraient vivre à la campagne; ils étaient reliés à Paris par 30 km d'auto.

On va donc à la porte de la maison en auto, et c'est l'arc de courbure minimum d'une auto qui fournit la dimension même de 1a maison. L'auto s'engage sous les pilotis, tourne autour des services communs, arrive au milieu, à la porte du vestibule, entre dans le garage ou poursuit sa route pour le retour: telle est la donnée fondamentale.

Autre chose: la vue est très belle, l'herbe est une belle chose, la forêt aussi: on y touchera le moins possible. La maison se posera an milieu de l'herbe comme un objet, sans rien déranger.

Si l'on est debout dans l'herbe, on ne voit pas très loin l'étendue. D'ailleurs, l'herbe est malsaine, humide, etc... pour y habiter; par conséquent, le véritable jardin de la maison ne sera pas sur le sol, mais au-dessus du sol, à trois mètres cinquante: ce sera le jardin suspendu dont le sol est sec et salubre, et c'est de ce sol qu'on verra bien tout le paysage, beaucoup mieux que si l'on était resté en bas.

Dans nos climats tempérés, avec pluies fréquentes, il est utile d'avoir un jardin dont le sol soit sec instantanément; le sol du jardin est donc en dallage de ciment, posé sui sable, assurant un drainage instantané des eaux pluviales.

Mais on continue la promenade Depuis le jardin à l'étage, on monte par la rampe sur le toit de la maison où est le solarium.

L'architecture arabe nous donne un enseignement précieux. Elle s'apprécie à la marche, avec le pied; c'est en marchant, en se déplaçant que l'on voit se développer les ordonnances de l'architecture. C'est un principe contraire à l'architecture baroque qui es conçue sur le papier, autour d'un point fixe théorique. Je préfère l'enseignement de l'architecture arabe.

Dans cette maison-ci, il s'agit d'une véritable promenade architecturale, offrant des aspects constamment variés, inattendus, parfois étonnants. Il est intéressant d'obtenir tant de diversité quand on a, par exemple, admis au point de vue constructif, un schéma de poteaux et de poutres d'une rigueur absolue.

La construction est faite sur un jeu de poteaux équidistants, portant des chevalets qui, eux mêmes, supportent des poutrelles régulières à égales : ossature indépendante, plan libre.

Extrait de Le Corbusier, Oeuvre complète, volume 2, 1929-1934

Wilhelm et Henny Hansen, les fondateurs
Né à Copenhague le 27 novembre 1868, Wilhelm Hansen s’est bâti une remarquable carrière dans l’assurance en fondant la compagnie danoise Dansk Folkeforsikringsanstalt et en dirigeant Hafnia, une autre compagnie d’assurance danoise. D’esprit indépendant et visionnaire, Wilhelm Hansen s’est passionné pour l’art, et plus particulièrement pour l’art français, qu’il a collectionné pour son plaisir, mais aussi pour lui donner une large audience au Danemark. Il a d’ailleurs organisé à Copenhague des expositions d’envergure présentant des prêts d’importants musées français.
Il fait la rencontre de sa femme Henny en 1887, lors d’une représentation au Théâtre Royal. Ils se marient le 30 octobre 1891 et adoptent leur fils, Knud Wilhelm, en 1908.
L’intérêt de Wilhelm Hansen pour l’art remonte à ses années d’études : son ami Peter Hansen, qui deviendra l’un des membres du collectif de peintres danois Fynboerne, l’introduit dans le milieu artistique. Certains de ces artistes deviendront des intimes de Wilhelm et Henny qui, tout au long de leur vie, vont étoffer leur collection en y intégrant des peintures d’artistes danois, puis des œuvres majeures des impressionnistes français.
Ordrupgaard, le lieu
En 1916, Wilhelm et Henny Hansen achètent un terrain près d’Ordrup Krat, au nord de Copenhague, et font appel à l’architecte Gotfred Tvede pour y construire une résidence d’été. Leur engouement pour ce lieu les décide finalement à en faire leur résidence principale et à y inclure une galerie d’art pour abriter leur collection de peintures françaises.
Imposant manoir, Ordrupgaard a été conçu comme une demeure lumineuse, dont les nombreuses fenêtres, le jardin d’hiver et la serre permettent un dialogue inspirant avec le parc environnant. Le manoir et la collection sont inaugurés le 14 septembre 1918. Dès cette date, les Hansen prévoient une ouverture hebdomadaire au public de leur collection, fidèles à leur volonté d’offrir à l’art français une large audience au Danemark.

Le 28 Novembre 2017 au musée Marmottan

sortie du 28 Novembre 2017 rendez-vous au RER 9h30 ou 10h30 sur place

prix 16€ ou 20€ pour les amis

Claude Monet
Grâce à la générosité de personnalités comme Madame Donop de Monchy, fille du Docteur Georges de Bellio, médecin, mécène et grand ami des impressionnistes, André Billecocq ou encore Michel Monet, fils cadet du peintre, le Musée Marmottan Monet devient dès 1966 le gardien de la plus importante collection d’œuvres de Monet au monde, d’Impression, Soleil levant aux Nymphéas de Giverny. Ce legs de Madame Donop de Monchy fut décisif puisqu’il inspira certainement son geste à Michel Monet, fils du peintre, lorsqu’il offrit la collection d’œuvres, de lettres, de photographies et de souvenirs personnels de son père au Musée Marmottan Monet. En plus de nombreuses toiles de Claude Monet le legs comprend aussi les carnets de dessins de l’artiste, ses palettes, ses lettres, des photographies, des objets personnels, ainsi que la collection de tableaux peints par ses amis que le peintre avait toujours gardés.
La collection Claude Monet, exposée dans une salle conçue à cet effet, offre au public l'occasion unique d’admirer en un seul lieu les grandes toiles marquant les différentes étapes de la carrière du maître et de suivre au plus près l'évolution de sa technique : des caricatures de personnalités havraises ou de critiques parisiens exécutées dans sa jeunesse, aux toiles inspirées par son jardin de Giverny qui fut créé tel un tableau vivant par le peintre.
Le Musée Marmottan Monet est aujourd’hui à même de présenter au public un ensemble de 94 toiles, 29 dessins et 8 carnets de dessins de Monet qui permettent de comprendre l’évolution technique et esthétique du peintre. Cette précieuse collection réuni les œuvres peintes sur la côte normande : la plage à Trouville, Camille, et le célèbre tableau éponyme du mouvement Impression, Soleil levant ; les toiles d’Argenteuil : promenade ou pont de chemin de fer ; les brouillards de Vétheuil ; les vues de Paris : les Tuileries, la Gare Saint-Lazare ; les souvenirs de voyage : le Parlement et le Pont de Charing Cross de Londres, le Mont Kolsaas en Norvège, Dolceaqua à Bordighera ; les nymphéas, iris, ponts japonais ou allées des rosiers qui aboutiront aux Grandes décorations.

Le 5 Octobre 2017
Une amitié artistique
Du 2 juin au 29 octobre 2017
Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente une exposition inédite explorant l’amitié entre trois artistes majeurs du XXe siècle : André Derain (1880-1954), Balthus (1908-2001) et Alberto Giacometti (1901-1966).
Jamais confrontés, leurs regards se rejoignent par la même exigence de ce que doit être l’œuvre d’art. Tous trois partagent un fort désir de modernité, s’intéressent passionnément à la peinture ancienne et à l’art des civilisations lointaines tout en étant fascinés par « les forces obscures de la matière » (Derain) et plus largement par une attention aigue portée à la réalité « merveilleuse, inconnue » qu’ils ont sous les yeux (Giacometti). Bien au-delà d'une admiration réciproque et d'une véritable affection dont ils témoigneront tout au long de leur vie, la profonde communauté esthétique qui les réunit constitue le fil conducteur de l'exposition.
L’exposition présente une sélection exceptionnelle de plus de 350 œuvres (peintures, sculptures, œuvres sur papier et photographies), principalement centrée sur les années 1930 à 1960. Elle permet de revoir la part la plus importante de l’œuvre de Derain qui n’a pas été présentée à Paris depuis plus de vingt ans avec la rétrospective en 1995 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, de revoir Balthus, (depuis 1983 la rétrospective du Musée National d’art moderne-Centre Pompidou) tout en portant un nouveau regard sur Giacometti.
La rencontre des trois artistes est favorisée au début des années 1930 par la fréquentation du milieu surréaliste – notamment au travers de la première exposition de Balthus chez Pierre Loeb en 1934. L’intensification de leurs relations à partir de 1935 démultiplie les croisements entre leur vie et leurs œuvres. Entre Saint-Germain et Montparnasse, ils rencontrent de nombreux artistes, écrivains et poètes dont Antonin Artaud en tout premier, Max Jacob, Breton, Aragon, Jean Cocteau, Reverdy, Oberlé, Desnos, Camus, Jouve, Beckett, Sartre et Malraux. Le théâtre tient une place majeure avec plusieurs projets avec Marc Allegret, Boris Kochno, Roger Blin et Jean-Louis Barrault, tout comme la mode avec Jacques Doucet, Paul Poiret, Christian Dior et le marché de l’art avec Pierre Loeb, Pierre Colle et Pierre Matisse.

Le 26 Septembre 2017

À l’origine, monastère essentiellement composé d'un corps de ferme et de bâtiments pour abriter les moines, il est revendu en 1616. Une bâtisse de ce qui constitue le milieu du château actuel est alors construite et change plusieurs fois de propriétaire. Sous Louis XIV, le duc de la Rochefoucauld l'acquiert et la fait achever. La marquise de Pompadour l’achète en 1748 pour s'y détendre et surveiller la construction, à Meudon, de son château de Bellevue. Elle y ajoute de nouveaux embellissements et y accueille Louis XV.
En 1750, Jacques-Jérémie Roussel de Rocquencourt, fermier général, rachète le château qu'il agrandit en construisant le pavillon et l'aile nord, lui donnant ainsi sa configuration actuelle.
De 1776 à 1804, il est acheté par Louis Pierre Parat de Chalandray qui transforme les parterres à la française, en jardin à la française, avec l'aide du paysagiste Jean-Marie Morel.

Le château est classé monument historique en 1978. Le parc est lui classé parmi les sites du département des Yvelines depuis un arrêté du 22 mars 1985.
Fin 2013 et sous l'impulsion de Laurent Fabius et de Marie-France Marchand-Baylet, sa compagne et Présidente de Flag-France Renaissance, l'orangerie est restaurée et le parc du château accueille de nombreuses sculptures d’artistes plasticiens contemporains.

Activités culturelles

visite des ateliers du musée de sèvres

visite le musée bourdelle

visite la maison du fontainier

La distribution de l’eau à Paris au XVIIe siècle

visite du parc de Bagatelle

visite SUEZ

musee de la toile de jouy

musee d'art moderne expo Nicolas de Staël

musee d'art moderne expo Nicolas de Staël

musée de cluny : la dame à la licorne

musée de l'orangerie : exposition Modigliani

musée de l'histoire du judaisme

maison de zola et musée dreyfus

Le potager du roi à versailles

musée des années 30 boulogne billancourt

L’ambiance d’une époque

découverte des Invalides

musée d'Orsay exposition Munch

opéra bastille

atelier des lumières "cezanne et Kandinsky"

musée et jardin albert khan

le potager du roi à versailles

visite de la seine musicale dans l'île Seguin

visite de l'exposition : l'architecture Gaudi au musée d'Orsay

visite de l'exposition : les femmes pionnières au musée du Luxembourg

visite de l'opéra garnier : intermezzo

visite musée d'orsay : signac collectionneur

visite de la bourse de commerce

visite de la garde républicaine des celestins

visite de la cité U

visite château de versailles

visite de l'opéra garnier

visite de l'opéra garnier

visite guidée du château de monte cristo

arboretum de chèvreloup

exposition turner au musée jacquemart andré

visite des jardins d'albert kahn

la cinémathèque : exposition louis de funès

visite de l'opéra garnier

visite de l'unesco

musée cluny : la broderie au moyen age

Charlie Chaplin - philharmonie de paris

Degas Danse Dessin. Hommage à Degas avec Paul Valéry - musée d'orsay

Ateliers des Gobelins, dans les coulisses d'un métier d'art

visite de la propriété Caillebotte à Yerres

Les nabis et le décor au musée du luxembourg

Les musiciens de Doisneau à la Philarmonie de Paris

visite de l'usine peugeot à Poissy

Les coulisses du Printemps, des souterrains à la coupole

plongée au coeur de la seine musicale - scène musicale

exposition : collections privées des impréssionnistes aux fauves

concert caritatif au profit de l'Epide

exposition : peinture des lointains - musée quai Branly

exposition Gustav Klimt à l'atelier des lumières

exposition Alfons Mucha

les souterrains de Pontoise

musée camille pissarro

pontoise ville d'art

sortie du 21 juin ; Mary Cassatt

concert de jazz : Richard Mikael

concert de Pierre Morabia

sortie du 22 mai : Visite des passages couverts à Paris avec conférencière

SORTIE DU 6 AVRIL-- MUSEE ZADKINE

VILLA SAVOYE A POISSY

PARC AUX ETOILES A TRIEL

LA MOMA A LA FONDATION LOUIS VUITTON

LE JARDIN SECRET DES HANSEN AU MUSEE JACQUEMART

MONET COLLECTIONNEUR MUSEE MARMOTTAN

DERAIN BALTHUS GIACOMETTI AU MUSEE D'ART MODERNE

CHATEAU DE LA CELLE SAINT CLOUD